2016, António Carrapato, Módulo

Módulo 

2016 

António Carrapato é um fotógrafo com uma carreira original, iniciada como fotojornalista, mas já com diversas exposições que foram mostrando o seu trabalho de autor (Museu de Évora, 2009, apresentada por Joaquim Caetano; A Pequena Galeria - esta uma mostra de grupo e itinerante, em 2013, que organizei ). 

Está agora na galeria Módulo. Alentejano, é um homem com um humor raro - e o humor é uma das marcas fortes do seu trabalho fotográfico - de que se serve com um excepcional sentido de oportunidade para dar a ver e comentar a sua região (e não só - outra das suas direcções de trabalho é intencionalmente europeia). Com a atenção muito desperta para o acaso, para o encontro imprevisto e acidental que marca muitas das suas fotografias, o que implica um muito ágil sentido de composição <o instante decxisivo>, ele constrói, de facto, séries temáticas que se assemelham a programas conceptuais. 

A opção seguida pelo comissário da mostra e pelo galerista consistiu em apresentar mais de uma centena de imagens em pequeníssimos formatos (9, 12 cm), agrupadas em conjuntos que apontam pistas de entendimento ou núcleos de trabalho. Pode não ter sido a melhor estratégia para introduzir a obra de António Carrapato no circuito dos coleccionadores de fotografia, mas esta é, por outro lado, a possibilidade de uma abordagem antológica que confirma a respectiva importância. 

Não é um jovem fotógrafo (um artista emergente, uma revelação, um nome descartável na próxima época) e não tem o apoio de uma rede suspeita, para não dizer mafiosa, que consegue, por exemplo, ocupar o Museu do Chiado com uma exposição comercial acompanhada por uma iniciativa editorial também comercial - o acesso aos dinheiros da DGPC (Património Cultural, supõem-se) assegura essas e outras facilidades. Carrapato é um artista com obra feita, que às vezes me lembra o meu fotógrafo espanhol preferido, o Cristobal Hara, que ele naturalmente não conhecia.

(...desagradado dessa opção expositiva com miniprovas - acho que fazem falta formatos razoáveis).

press:

28 maio de 2016, até 28/06

António Carrapato foi durante bastante tempo fotojornalista do jornal Público, mas em paralelo foi desenvolvendo um trabalho de fotografia criativa. Conhecido num grupo mais restrito de pessoas do meio fotográfico, tem agora a sua primeira exposição antológica nesta galeria cobrindo um período desde que vai de 1985 a 2015, começando no preto e branco e prolongando-se pela cor.

A exposição tem a curadoria de José Soudo, que realizou um trabalho verdadeiramente notável na selecção e montagem das 103 fotografias que constituem a exposição. 

Encantamento é o título dado pelo curador a esta seleção do trabalho fotográfico de António Carrapato, mas passemos ao texto escrito por José Soudo para a ocasião: 

(... Vilém Flusser ) Vem tudo isto a propósito dos trabalhos, deste trabalho fotográfico em concreto, do António

Carrapato, amigo de longa data, com quem me cruzo há mais de 25 anos, pois sempre que os

“leio”, sou remetido para um estado de “ENCANTAMENTO”.

Estas séries, que nos são dadas a ver neste espaço da Galeria Módulo, carregadas de pequenas e enormes subtilezas, assim como de abordagens tão delicadas e intimistas, têm (para mim), o condão de nos evidenciar os poderes ocultos deste fotógrafo, qual mágico, para nos seduzir e inebriar, provocando sensações de embriaguez e felicidade, apenas porque lhe olhamos as imagens.

Percam o vosso tempo com elas, pois quem sabe se não é isto que o velho Flusser nos quer dizer quando afirma que …”as fotografias não têm nada de mágico porque são técnica pura, no entanto são imagéticas, porque vivem de magias...

António Carrapato, nascido em Reguengos de Monsaraz no ano de 1966, começa a sua carreira nos anos 90, a fotografar para os principais jornais portugueses.

        Em paralelo desenvolve um trabalho de autor, em que constrói uma temporalidade de     

        acasos significativos com um humor muito específico.

É no território rural do Alentejo, mas também em contextos urbanos internacionais, que utiliza a sua capacidade de observação para criar um universo visual onde a relação entre o homem e a sua envolvente revelam subtis ironias ou absurdas coincidências.

António Carrapato estou fotografia no Ar.Co e apresenta um curriculum de exposições colectivas apreciável de que poderemos destacar Aldeias Gémeas, Museu da Aldeia da Luz (2013), Riso, Fundação EDP (2012), Nós, Museu de Évora (2009). Recentemente figurou na exposição intitulada Grupo de Évora com curadoria de Alexandre Pomar ,que se iniciou na Pequena Galeria em Lisboa e depois circulou por Sines (Centro Cultura Emérito Nunes) e Évora (Palácio D.Manuel) durante o ano de 2013.

A obra fotográfica de António Carrapato encontra-se em várias publicações como Planeta Ovibeja(2008, Arte na Fundação Luso-Brasileira(2007) e Extensão do Olhar, Uma antologia visual da fotografia portuguesa contemporânea (2005) da Fundação PLMJ.

Jorge Calado: escolhas para o Dubai; Dubai Photo Exhibition 2016

 Dubai Photo Exhibition will bring together artworks from 23 countries, selected by 18 curators, celebrating the harmony and diversity of global photography on an unprecedented scale. Guided by the curatorial vision of Head Curator Zelda Cheatle and other world-renowned curators, visitors will experience the evolution of photography through a selection of artworks from the 20th and 21st century.

The exhibition will be presented in a purpose-built “temporary museum” in Dubai Design District (d3), Dubai’s centre for art and design industries. Dubai Photo Exhibition is created by HIPA to promote Dubai as a cultural hub, cultivate artistic appreciation for photography, foster dialogue, and nurture photographic excellence through education. 

Countries and curators:
Australia—Alasdair Foster
Belgium and Holland—Els Barents
Brazil—Iata Cannabrava
China—Huang Yihuang 
Morocco & Egypt—Hicham Khalidi (Morocco) and Ayman Lotfy (Egypt)
France—Fannie Escoulen
Germany—Frank Wagner
Hungary and Czech Republic—Kincses Karoly
India—Devika Singh
Japan—Mariko Takeuchi
Korea—Sunhee Kim
Mexico—Magnolia de la Garza 
South Africa—Federica Angelucci
Spain and Portugal—Dr. Jorge Calado
UAE—Jassim Al Awadhi
UK and Ireland—Martin Barnes
USA and Canada—Natasha Egan

Portugal

Edgar Martins

Martins was born in 1977 in Évora, Portugal, grew up in Macao and moved to the UK in 1996. He studied photography at The University of the Arts, London; and Royal College of Art. His first book, Black Holes and Other Inconsistencies, was awarded the Thames & Hudson and RCA Society Book Art Prize; a selection of images from this book won him The Jerwood Photography Award in 2003.
His work centres on a man-made, technological world and its influence on society and nature. He has been exhibited widely and his series The Diminishing Present was seen at The Empty Quarter, Dubai, in 2009. He is represented in several high-profile collections and is the recipient of many awards He was also selected to represent Macao, China, at the 54th Venice Biennale, 2011.
His first retrospective was held at Centre Culturel Calouste Gulbenkian in Paris, 2010. His project The Poetic Impossibility to Manage the Infinite, developed in partnership with European Space Agency (ESA), was launched at Centro de Arte Moderna/Calouste Gulbenkian Foundation in Lisbon, 2014. He lives and works in the UK.

Gérard Castello-Lopes

Born in Vichy, France in 1925, Gérard is the son of a Portuguese father and a French mother. A famous sportsman in his youth, Castello-Lopes became a businessman in the film industry and is self-taught in photography.
He has a degree in Economics and Financial Sciences from the Technical University of Lisbon. From 1956 onwards he concentrated on photography and is now seen as the leading figure of the golden age of Portuguese photography of the 1950s. A follower of Henri Cartier-Bresson, he focused his camera on children and the elderly. In the late 1960s he gave up photography, only to resume it in 1982 when he had his first solo exhibition at the Ether Gallery, Lisbon. His main concerns as a photographer were the 'paradox of appearances', the nature and properties of space and the importance of scale.
He was a founding member of Hot Clube (Jazz) of Portugal and of the Portuguese Centre of Cinema. As a lecturer and essayist he collaborated with many institutions in Portugal and abroad. Several of his photos were used to illustrate book covers across Europe from 1996-2008.

Helena Almeida

Born in Lisbon, Portugal, in 1934, Helena Almeida’s father, Leopoldo de Almeida, was a renowned sculptor. She studied painting at the School of Fine Arts, Lisbon, and obtained a grant to work in Paris, where she came across Lucio Fontana's slashed paintings (the mystery of what is beyond the canvas) in 1964. Almeida had her first solo show of tridimensional paintings at Buchholz Gallery, Lisbon, 1967. Photography became a central element to her work in the 1970s. She began using her own body (self-representation) to explore space in 1969. Photography, painting, drawing and performance come together in her work. Her husband, architect Artur Rosa, is often a collaborator. She represented Portugal at the São Paulo (1979), Venice (1982, 2005) and Sydney (2004) Biennales. She had a retrospective at Serralves Museum of Contemporary Art, Oporto, 2015, which travels to Paris and Brussels, 2016. Almeida lives and works in Lisbon.

Jose Luis Neto

Born in Sátão, Portugal in 1966, Jose Luis Neto studied photography and its conservation at Ar.Co (Centre for Art and Visual Communication), Lisbon, and did a project at the Royal College of Art, London. He obtained an MA in Photographic Studies at IADE/Creative University in Lisbon, 2015. He had his first solo exhibition at Gymnásio Gallery, Lisbon, 1993 and was selected as part of the Portuguese representation at the 8th Biennale of Young European and Mediterranean Artists, Torino, Italy, 1997.
His on-going interests include the language, character and limits of photography, as well as the investigation of the photographic matrix and the various processes and devices of capturing light.
His work has been shown regularly at international art fairs and at exhibitions in Brazil, Spain, France, Italy, Slovakia, Finland, Germany and Switzerland.
His work is included in many private and public collections, namely: Centro Português de Fotografia and Serralves Museum of Contemporary Art, Oporto; Berardo Collection, BESart, CAMJAP – Fundação Calouste Gulbenkian; Fundació Foto Colectania, Barcelona; Folkwang Museum, Essen; amongst others. Neto lives and works in Lisbon.

Joshua Benoliel

Born in Lisbon, Portugal, in 1873, Joshua Benoliel became a member of Ginásio Clube Português in 1892. He co-founded the newspaper O Sport in 1894 and, as an amateur photographer, saw his first pictures published and participated in his first group exhibition alongside King Charles I, 1898.
He covered the state visits to Portugal of King Edward VII (Great Britain) and Alfonso XIII (Spain), 1903. The following year he left his job as customs broker to become a professional photographer. Appointed corresponding photographer in Portugal for Spanish daily ABC and French weekly L'Illustration, 1904, he became principal photographer for O Século and Ilustração Portuguesa. Two years later, he published the only pictures of the Republican Revolution, which would be distributed worldwide.
Benoliel was awarded Gold Medals at the National Exhibition of Graphic Arts, Lisbon, 1912 and Leipzig Exhibition of Graphic Arts, 1914. He accompanied President Bernardino Machado on a visit to Portuguese troops in Flanders during World War I, 1918 and was declared ‘king of the photographers and photographer of kings’ by journalist and political activist Rocha Martins. He covered important events in Holland, 1926, and Spain, including the International Exhibitions in Seville and Barcelona, 1929.
He was awarded the Portuguese Order of Santiago de Espada, 1929 and the Spanish Order of Civil Merit (1930). Last pictures for ABC, 1932. Benoliel died in Lisbon in 1932.

Maria Lamas

Born in Torres Novas, Portugal, 1893, Maria Lamas studied for two years at a catholic school in Torres Novas, 1906-08. She married and moved to Angola with her military husband in 1911. After a divorce, she moved to Lisbon in 1919 and married journalist Alfredo Lamas in 1921. Lamas published a poetry book and first novel in 1923. She was appointed director of women's weekly Modas e Bordados, 1930-47, and published several children's books and novels in the 1930s. She was elected president of the National Council of Portuguese Women, 1946. Taught by a son-in-law who worked for Kodak, she took up photography the following year after deciding to travel all over the country to investigate the living and working conditions of Portuguese women.
She lived in Madeira for two years, 1955-57, and later she was arrested several times for her political ideas. She went into exile in Paris in 1962, returning to Portugal seven years later. Lamas became the director of a new women's magazine, Mulheres (Women) in 1978. She was awarded the Order of Freedom by the President of Portugal, 1980. Lamas died in Lisbon in 1983.

Spain 

Cristina Garcia Rodero

Cristina Garcia Rodero, born in Puertollano, Spain in 1949, became interested in photography as a teenager and shot her first photo essay at age 17. She studied painting at Complutense University, Madrid, before taking up photography. In 1973 she began researching and photographing popular and traditional festivities in rural Spain and Mediterranean Europe. Amongst her many awards, Garcia Rodero has received are a book award from Rencontres d'Arles for España Oculta, 1989; the W. Eugene Smith Grant for Humanist Photography, 1989; the Spanish National Prize of Photography, 1996; Honorary Fellowship of the Royal Photographic Society, 1998; the Bartolomé Ros Prize, 2000, and two World Press Photo Awards.
Garcia Rodero has been exhibited around the world, including twice at the Venice Biennale. A member of Vu agency for more than 15 years, she joined Magnum in 2005, becoming full member in 2009.

Cristóbal Hara

Born 1946 in Madrid, Spain, Hara grew up in the Philippines, USA and Germany, returning to Spain age 8. He studied law and business administration in Spain and Germany before deciding in 1969 to become a photographer. Moving to London, he spent a few years there and exhibited at the Victoria & Albert Museum. Hara switched to colour photography in 1985 and felt free, at last, from the strictures of composition in black and white. Known for his chronicles of rural Spain and her fiestas filtered through the memories of his own childhood. Like with Bill Brandt (in the UK), his ultimate goal is the book, not the exhibition. Vanitas (1998) won the prize for best photography book at PhotoEspaña in 1999. Autobiography, 2007, is the second volume of a trilogy published by Steidl. Recently he has begun a series of so-called 'trivial essays' for Ediciones Anómalas. His photos have also appeared in magazines like Creative Camera, Du, Aperture and others.

Joan Colom

Joan Colom was born in Barcelona, Spain in 1921. Following his military service, he became an accountant in a firm and became involved in photography at age 36 when he joined Agrupació Fotogràfica de Catalunya. An accountant during the week, he began photographing Barcelona's underworld, especially the Barrio Chino or red-light district of Raval, shooting from the hip with a half-hidden camera.
Colom co-founded El Mussol (The Owl) in 1960, an artists' group that included other photographers such as Jordi Munt. In 1962 his work was seen in Paris alongside that of other Catalan photographers. He exhibited Les gens de Raval at Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris, 2006.
After retirement in 1986 he returned full-time to photography and in the 1990s began to use colour. He was awarded the National Photography Prize in 2002, the Golden Medal for Cultural Merit by the city of Barcelona, the National Visual Arts Prize by the Generalitat de Catalunya and the Creu de Sant Jordi Prize, 2006. In 2011, he donated part of his photographic archive to the National Museum of Art of Catalunya and had his first major exhibition there in 2013.

Ramón Masats

Born in Caldes de Montbui (Barcelona), Spain, 1931, Ramón Masats became interested in photography by chance while doing military service. He joined the photography club of Casino del Comercio in Tarrasa, and later the Agrupación Fotográfica de Catalonia. His first photo-essay documented Las Ramblas, 1953. He moved to Madrid and co-founded the photo-group La Palangana, 1957 and later worked for Gaceta Ilustrada and other magazines. He received many awards, including the Negtor Prize, 1960 and the Ibarra Prize for best book, Los Sanfermines, 1963.
Masats abandoned photography to dedicate himself to film and TV from 1964-81, during which time he received many more accolades and directed several documentaries for TV, including the feature film Tropical Spanish.
He returned to photography in 1981 and had a solo exhibition at Catalonia Photographic Spring, 1984. He exhibited colour photographs at Ateneo de Madrid in 1986 and held a retrospective exhibition at Círculo de Bellas Artes, Madrid, 1999. In 2004, he was awarded the National Prize of Photography.  

https://www.e-flux.com/announcements/185345/dubai-photo-exhibition

Não existiu catálogo e a informação digital sobre a Dubai Photo Exhibition 2016 já não se encontra.

https://www.dodho.com/dubai-photo-exhibition-epitomizes-dubais-international-standing-in-all-fields/

 

https://www.wallpaper.com/art/inaugural-dubai-photo-exhibition-gathers-best-photography-from-around-the-globe

Nuno Viegas 2001 2002 2003 2004 (Cascais) 2008 2009 (Arte Periférica) 2016 (Col. Cachola)

 Nuno Viegas desde 2001

Se há artistas dos anos 00, da primeira década do século, Nuno Viegas é um dos primeiros.
Apareceu em 2001, na colectiva dos dez anos da Arte Periférica com A rotina do engomadinho, 2001, 250 x 200 cm.

(As obras não são cromos, são pinturas, com o que isso implica de matérias, sobreposições, densidades, vestígios, e são de grande formato - ao contrário do que sucede aos artistas de reproduções: são para ver ao vivo, frente ao corpo, com o corpo)

Não são pinturas "perfeitas", são obras que têm ambições e correm riscos. Não se nasce ensinado, nem os artistas se "consagram" nas primeiras exposições: a maturidade de um pintor é uma palavra com sentido.

1 . 2002, "Captura"

Arte Periférica, Outubro-Novembro.

Magia, óleo /tela, 200 x 170 cm

"Medusa surround" (Medusa I, II, III, IV) 2002, cada 80x70 / "Jogo" 2002, 200x170cm

2.
2003 "Lava"

Arte Periférica   
15-11-2003

N.V. surgiu em 2002 com uma mostra individual que constituiu uma das boas surpresas do ano, vindo da Faculdade de Belas Artes de Lisboa e notado em anteriores colectivas. Confirma agora essa aparição com uma mostra que se apresenta em duas partes, reunindo a primeira trabalhos sobre papel, de desenho e pintura, e a seguinte, a partir de 6 de Dezembro, pinturas de grande formato.

É uma produção proliferante e convulsiva, torrencial, nos seus materiais e processos (tintas plásticas, esmaltes sintéticos, colas e vernizes, papel fotográfico, etc.), o que o título «Lava» traduz, acompanhando-se por um curto texto do autor sobre «a matéria fervente», instável e devastadora, com que constrói e destrói, arrasa e regenera, a imagem - «impregnada pelo germe que foi buscá-la ao imprevisto, trazendo-a para um estado de constante iminência, que não permita que a ideia se consolide ou se mantenha na aparência e que a forma se feche ou acabe».
É uma forma de dizer que o que acontece sobre o suporte é muito mais do que uma imagem aparente, a qual é visível como matéria e acção para lá do que se reconhece como motivo e ideia gráfica - observe-se a distância que vai das reproduções do catálogo às obras realmente vistas, na sua densidade material e no acerto das escalas, do pequeníssimo formato dos desenhos à vastidão das telas.
Sublinhe-se o humor figurativo dos desenhos, a passagem irónica ou perversa da observação à monstrificação das figuras, a luta contra o fácil e agradável, a diversidade das experiências e a ambição patente nas grandes pinturas, onde se circula entre o real quotidiano e o imaginário. À margem das normas que o sistema recomenda. (Até 5 Dez.) CATÁLOGO, tx NV

Sauna, 2003, esmalte sintético, tinta plástica, acrílico, verniz, cola de madeira e caneta de feltro sobre tela, 220 x 180 cm

3.
2004  "A tinta envenenada"
Centro Cultural de Cascais, Julho   
31-07-2004

Um novo conjunto de pinturas e outro de desenhos dão continuidade ao trabalho de um dos mais interessantes jovens artistas surgidos já na presente década. Enfrentando a figura em situações contemporâneas (o acidente de automóvel, uma devassa de arquivos) ou mais ou menos fantasistas, aproximando-se de uma visão crítica da sociedade, com um humor que transcende a observação, N.V. enfrenta o que parecia impossível nos dias de hoje à figuração pictural.
A invenção de processos e de materiais (a «lavagem» dos desenhos a tinta da Índia, o uso de esmaltes sintéticos, cores fosforescentes e colas) sustentam uma exuberância oficinal paralela à veemência das imagens. (Até 4 Set.)

4.
2006, "O Precipitado", Arte Periférica.

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VER : 11/29/2008

Nuno Viegas no CCB : A Núvem Nódoa

Arte Periférica 1ª parte: 15 nov. CATÁLOGO tx NV

2ª parte: 15 dez. CATÁLOGO

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 2009 "Temor e tremor"

Arte Periférica, CCB, até 13 de Janeiro

12/24/2009

Pinturas maximalistas

"A grande falta de paciência"

acrílico, esmalte sintético, tinta da índia, verniz, marcador de têmpera, lápis de cor e grafite sobre tela, 220 x 180 cm

"Le Flâneur" - esmalte sintético, acrílico, verniz, tinta da índia, marcador de têmpera e lápis de cor sobre tela, 220 x 180 cm.

NUNO VIEGAS

desde 2002 regularmente (n. 1977, Almeida), sempre na mesma galeria, salvo em 2004 no Centro Cultural de Cascais, e em 2005, data de dois nºs da revista Colóquio muito ilustrados. 

Neste caso há um personagem (o mesmo?) quase sempre presente nos quadros de maior formato. Primeiro "Em águas de bacalhau"; ao centro e ao fundo a "Lavar a roupa suja - despir, torcer, esfregar" (um tríptico que se mostrara na feira de Lisboa), e por fim, no catálogo, a declarar "Lavo daqui as minhas mãos", o que é literalmente feito. As águas são turvas e agitadas, como a pintura que se solidifica sobre a tela sem deixar de ser viscosa, turbulenta e sempre aparentemente ainda líquida, a escorrer entre as figuras e o fundo. Os flamingos são aves aquáticas e o gato que cai ou nada sobre elas calça braçadeiras (quem é aqui o flâneur?); também parece haver uma bóia, ou será satélite?, sobre a cabeça invisual do impaciente, mas há mesmo um balde que se entorna. A tinta está por toda a parte, como a "Lava" e a "Tinta envenenada" de anteriores exposições, é matéria e motivo da pintura, mais do que meio de representação. Inunda a tela e ameaça diluir a figura e a acção. É onda que submerge o protagonista da primeira cena.

Nas pinturas de menor formato, naturezas mortas, ou fragmentos de interiores, onde os objectos são animados por acções inexplicadas, vêem-se outros desastres ou a iminência deles, numa sempre presente instabilidade que é ameaça ou já situação de derrocada. Uma barra de krytonite na cesta das frutas e um computador a explodir iniciam a série de desastres. A terra treme.

O título geral é o do mais famoso livro de Kierkegaard

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2010 O Náufrago

Teatro Municipal da Guarda

nov.2010 jan: CATÁLOGO tx NV.

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2011 Parafrenália 

1ª parte - Desenhos

Arte Periférica 30 Abril. CATÁLOGO

2011 A de Animal

Arte Periférica 5 nov. CATÁLOGO (tx NV)

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05/15/2016

Nuno Viegas na Colecção Cachola

Certamente a lista de artistas da Colecção António Cachola está ainda "in progress", mas parece-me chocante notar-se já a falta de um pintor que o próprio colecionador quis associar especialmente à inauguração do seu Museu em Elvas: o Nuno Viegas, que pintou três grandes telas à escala dos corredores do antigo hospital, com destino à instalação inaugural: essas grandes pinturas sobre tela, que se referem ao lugar do museu enquanto hospital e à específica função deste, bem como uma série associada de trabalhos sobre papel, foram realizadas num atelier em Benfica, alugado durante um ano - e aí as pude ver logo que concluídas. Mas as obras não foram apresentadas na inauguração, de que encarregou João Pinharanda, e só algumas outras obras foram mais tarde expostos (2012).

Acho o Nuno Viegas um dos artistas mais importantes entre os surgiram ou se afirmaram nas primeiras décadas do novo século, mas o "gosto oficial", o mecanismo das exclusões institucionais, com a sua lógica clientelar, tem coartado a visibilidade da sua obra. Aposto que é uma das grandes apostas originais da colecção - que na maior parte dos nomes segue a rotina dos artistas do sistema galerístico-oficial. N.V. teve uma única mostra institucional em 2004, “A tinta envenenada”, no Centro Cultural de Cascais, e expõe regularmente, desde 2002, na galeria Arte Periférica. Não é fácil resistir ao muro de isolamento que é habitualmente levantado à volta dos artistas que se destacam da mediania que o sistema favorece, mediania formada por pequenas promessas surgidas à volta de três ou quatro nomes oficiais, envolvidos num sistema protector que eles próprios controlam, sob a tutela das "galerias líder". Acontece que a protecção dada às emergências fugazes e à mediocridade ambiente - tal como a insignificância de uma crítica oportunista - está a tornar o meio das artes visuais num terreno sem credibilidade, minado pelas suspeitas e só sustentado por tutores institucionais, de que se afastam espectadores e compradores. Os leilões, onde o segundo mercado estabelece os valores do reconhecimento das carreiras, estão a confirmar o descrédito do sistema oficial.

 

Duas pinturas de grande formato do Nuno Viegas mostradas na exposição "Génesis" do Museu de Arte Contemporânea de Elvas (na foto instaladas no Museu): "A colisão improvável", 270 x 360cm, 2008, e "A nuvem que nos separa", 270 x 360cm, 2008.

Têm o defeito de serem a cores e não do preto e branco, conforme o regime vigente, e de não serem "minimalistas" - pelo contrário, são maximalistas, podem ser observadas como comentários do presente (em vez de serem apenas um exercício formal, ou uma obra de arte sobre a ideia de arte), são comunicativas e despertam emoções, são livres de tutelas escolares ou críticas, são formal e materialmente poderosas na sua realização pictural, são abertamente imaginativas quanto à sua temática figurativa e narrativa.

Da colecção António Cachola fazem parte as três telas adquiridas pelo coleccionador na perspectiva da inauguração do seu museu, a que acima me refiro, mais 14 desenhos dentro da mesma temática, bem como outras duas telas de grande formato adquiridas mais tarde e que integraram a exposição "Génesis" do MACE em 2012. Defendo que são obras mais poderosas e radicais do que a generalidade das peças da colecção. Suspeito que é por isso que se exerce alguma censura - ou será distração?

João Francisco 2016 "Predelas e Volandes"

 

A loja de Gersaint (3 de maio - Il de junho 2016)

João Francisco

Predelas e Volantes

3 a 7 de maio

Espaço Cultural das Mercês

MOIRA FORJAZ

A ilha mostrada na Ilha. 1982?

1º salão da Associação Moçambicana de Fotografia, 1981

Imprensa-Nacional, Casa da Moeda 1982 (*)

Com Susan Meiselas:

 2015, a sair em Joanesburgo: http://www.jacana.co.za/.../mozambique-1975-1985-deta

(*) A Ilha de Rui Knopfli, poesia e fotografia, dez anos antes 

( Edição Minerva Central, Lourenço Marques, 1972 )

Moçambique, 4 fotógrafos

O que faz a importância excepcional da fotografia de Moçambique, que me parece só ter paralelo na da África do Sul (um patamar acima, claro, pq a AS é um imenso país com uma imensa história), valorizando não a actual concorrência no mercado dos festivais e instituições, mas a continuidade e pluralidade criativa através de várias gerações? Como se podem ponderar as variáveis que fizeram a diferença da fotografia de Moçambique? 
Tem de referir-se a personalidade forte de Ricardo Rangel e a capacidade de se afirmar como foto-jornalista independente e crítico com uma carreira sempre ascendente na imprensa colonial, até à direcção da revista Tempo no início dos anos 70 (e conta aí a transigência táctica do poder colonial com um grande fotógrafo mestiço e oposicionista, alimentando alternativas intermédias entre as veleidades dos independentistas brancos e os nacionalistas negros, favorecendo elites mestiças para como quem divide para reinar e aposta em todos os tabuleiros). 
A repressão política poupou-o (preso a distribuir panfletos nos anos 40) e a censura nunca o silenciou quando intervinha como editorialista fotográfico.  E Rangel passou ao novo regime da independência, atravessou a revolução e a guerra civil e a normalização relativa, como figura independente (também crítico da nova situação) e como formador de fotógrafos. Criticou a nova imprensa oficial em "Foto-jornalismo ou foto-confusionismo" (2002) e foi eleito para a Assembleia Municipal de Maputo (1998-2003) pela lista de cidadãos "Juntos pela cidade". A mesma luta em diferentes condições políticas, com uma habilidade excepcional.
Entretanto, é indispensável juntar a Rangel o nome de Kok Nam, parceiro de jornais e da Tempo, grande foto-jornalista de carreira também muito longa ( repórter da guerra civil na rectaguarda e mais tarde director do semanário Savana até à morte). 
E falta perceber qual foi o papel de Rogério - Rogério Pereira (n. Lisboa 1942 - Setúbal, 1987) -, fotógrafo português em Moçambique, regressado no final da década de 70, inadaptado aos vários regimes. Fotografou desde 1966 em Lourenço Marques; trabalhou no Sunday Times, Johannesburg, 1968. Colaborou na revista Drum (1969, 1973), presente em exposições colectivas em Johannesburg e Cape Town desde 1969 e 1972 (refere "Images of Man", promovida pelo "International Fund for concerned photography"), segundo informações do próprio no catálogo "Momentos", Gulbenkian 1981 - de uma exposição que à data foi desvalorizada, e estava-se diante de um fotógrafo radical, revoltado e irrecuperável, com imagens de uma grande veemência crítica, indisciplinadas. Frequentou os meios do jazz com Ricardo Rangel e certamente facilitou a relação deste com outros fotógrafos sul-africanos. Imagino que foi Rogério que levou Rangel a expor com Basil Breakey (fotógrafo de jazz de Cape Town) em 1973, no Núcleo de Arte, fazendo-o passar da página impressa para a parede de uma galeria. Em 2002, a 1ª edição do Photofesta, Encontros Internacionais de Fotografia de Maputo, dedicou-lhe uma exposição de homenagem.
Sem contactos conhecidos com Rangel e Rogério, mas bem relacionado com jornalistas como Honwana e Craveirinha, e em geral com o meio das artes, Pancho Guedes faz um uso moderno e eficaz da fotografia, sem que esta seja valorizada em si mesmo como disciplina funcional e/ou arte, ou objecto de exposição. Não é nem se intitula fotógrafo, é arquitecto, pintor e escultor. Mas fotografa tudo, e é relevante a sua presença fotográfica impressa no início dos anos 60: o manifesto “A cidade doente, várias receitas para a curar. O mal do caniço e o manual do vogal sem mestre”, dupla página em A Tribuna, 9-6-1963; as páginas de Aujourd’hui: Art et Architecture, nº 37, 1962, com os "Mapoga", e Architecture d’Aujourd’hui, 1962, Juin-Juillet, sobre a sua arquitectura. Também neste domínio tem uma intervenção irreverente e influente. Moira Forjaz encontra-o desde 1961. No Núcleo de Arte, de que foi colaborador activo, movimenta-se uma Tertúlia Fotográfica e alguns amadores dos quais vêm a participar em "Moçambique a Preto e Branco", ed. de Natal da empresa Codam, 1972, cuja nota introdutória  é seguramente da autoria de José Luís Cabaço, depois ministro da Informação da RPM.
 

4 fotógrafos de Moçambique em Almada

Almada, Galeria Municipal, 2015