Fátima Mendonça, 2023, Galeria 111

Fátima Mendonça, "Diário - Dias Incertos", na Galeria 111 desde dia 14 janeiro

Pode ver-se como um vocabulário, construído a partir de temas e figuras que foram surgindo ao longo da obra da Fátima, mas também apontando novas ideias, comentando factos que estavam entretanto a acontecer. Um vocabulário que seria acessível a todas as mãos, como que espontâneo, se não fosse ele pessoalíssimo, mas que assim mesmo é exemplo de uma possibilidade oferecida a todos, pelo menos a quem for capaz de abertamente falar de si, de desenhar-se, de expor-se e de observar à sua volta. Um vocabulário íntimo.

Essa abertura ao que é intimo, directamente íntimo (sem censura?) é aqui essencial e é rara: a produção de arte recobre-se em geral com citações, discursos à margem, estilos comuns, informações aprendidas e evidenciadas, “teorias”. Aqui a arte e a vida reúnem-se sem véus e dispensam doutrinas, mas não é impossível procurá-las.

De um diário se trata, como diz logo o título, surgido em tempo de pandemia e reclusão, "dias incertos" pois, divulgado à medida que os dias passavam, usando o Facebook como pista livre de comunicação e exposição, sem que desenho a desenho houvesse à partida um projecto de apresentação pública, que é habitualmente, no caso da Fátima, construído à volta de um programa, ou tema central, de uma ideia ou configuração visual a explorar. Os desenhos (pinturas sobre papel em pastel seco e pastel de óleo) foram uma necessidade, foram uma oferta livre (libertária) de comunicação interpessoal, e encontraram uma procura que os faz apresentar agora reunidos, com sucesso.

É um diário aleatório, nos assuntos referidos, ora retomados ora inéditos, e também na sua expressão gráfica, umas vezes em desenho linear e figura recortada, outras vezes com a folha preenchida, carregada, insistentemente percorrida, com fúria, com zanga?, quando o assunto é mais dramático, como tensão pessoal ou cena de guerra.

Um puzzle, ideia que a montagem irregularmente bem distribuída contempla. Os desenhos não constroem uma figura unificável nem se arrumam numa história a descobrir. São um retrato, feito de retratos e auto-retratos múltiplos que se reconhecerão ou não, em lágrimas, no corpo exposto, menina e mulher, como casa, irmãs, espelho, pesadelo ou ficção, etc (em pistas a descobrir). Aliás todos estes desenhos, de animais, árvores, flores, cenas várias, são auto-retratos ou assim podem ser vistos.

Fátima Mendonça

Por vezes a arte não é um exercício só formal, uma prática escolar, uma habilidade ou amabilidade ociosa, uma diversão ou uma facilidade, uma intenção ou a ocupação de uma parede, como quase tudo que vamos vendo à nossa volta, e às vezes acontece que uma obra exposta reage (comenta, acusa, intervém), age no presente, por exemplo sobre o que é a guerra actual a que assistimos com a confortável distância do lá fora, lá longe, como aliás sempre nos aconteceu, irremediavelmente periféricos.
Será uma imagem decorativa ou será incómoda? Será só uma peça de colecção, ou de museu? Como podemos conviver com ela, se nos interpela, incomoda e desafia? E é agora o contexto, as outras imagens expostas, as obras que as acompanham, de facto como um diário nascido no tempo da pandemia, antes de ser um projecto de exposição, que lhe asseguram a urgente necessidade de comunicar.
Ainda é possível representar a História? Pintura de história? Pintura de Guerra? Acontece que esta é uma representação sentida, pessoal, e é íntima também, verdadeira, e não apenas a oportuna apropriação de uma imagem mediática, então mais vista que criada. Há afinal quem desenhe, ou pinte, aqui a pastel de óleo e pastel seco, com uma qualidade material que se sente, mais do que só se observa, e com uma intensidade emocional que se faz partilhar; e a íntima verdade que aqui assim se reconhece importa-nos.

Os aviões, com pás giratórias de helicópteros, investem sobre a paisagem, sobrevoam-na e incendeiam-se, são ameaça e ameaçados, cenário de batalha, há explosões, fogo e fumo por toda a parte, um céu opaco, os foguetes descem a tracejado e uma casa arde. É a casa que vemos noutros desenhos, protecção ou prisão. Há outros desenhos que trazem imagens de terror e morte,  rostos escondidos entre as mãos e caveiras. Mas logo aparecem flores, animais domésticos, paisagens amenas. A vida é diversa.

 

 

“Diário - dias incertos”, até 25 Fev.

2017

• 

   

  
  

  http://111.pt/exposicoes/caravela-salao/

  Caravela – Salão

  14 de janeiro – 04 de março 2017

  #

  http://111.pt/exposicoes/a-cura/

  A Cura, Operação ao Cérebro

  - 15 de Outubro – 31 de Dezembro de 2014

2022 Paris 2 a 7 nov.

 

Paris 2 a 7 nov. 2022

11/07/2022

Musée d’Art Moderne ville Paris ( https://www.mam.paris.fr/fr )
1 Oskar Kokoschka (até 12 FEVRIER)
[… Francisco Tropa] este não conta…

Petit Palais ( https://www.petitpalais.paris.fr/expositions )
2. Walter Sickert (29 jan)
3. André Devambez – Vertiges de l’imagination, até 31 Dez.

Orangerie  (https://www.musee-orangerie.fr/fr)
4. Sam Szafran. Obsessions d'un peintre (Até 16 jan.)
[ Mickalene Thomas: Avec Monet]
[Les arts à Paris]

Beaubourg – Pompidou ( https://www.centrepompidou.fr/fr/)
5. Alice Neel (16 jan.)
6. Gérard Garouste (2 jan)

Orsay ( https://www.musee-orsay.fr/fr/visite )
7. Edvard Munch
8. Rosa Bonheur (1822-1899)
[Kehinde Wiley… Gal. Templon]

Musée Jacquemart-André (https://www.musee-jacquemart-andre.com/)
9. Füssli, entre rêve et fantastique

LOUVRE (https://www.louvre.fr/)
10. Les Choses. Une histoire de la nature morte

Palais de la porte Dorée, Musée de l’Immigration
11. Paris et nulle part ailleurs: 24 artistes étrangers à Paris. 1945-1972
https://www.histoire-immigration.fr/

12. Bourse de Commerce – Collection Pinault
Anri Sala
[….œuvres in situ qui dialoguent avec l’architecture et le parcours de visite: …pelo templo do $]
https://www.pinaultcollection.com/fr/boursedecommerce

13. le Centquatre ( https://www.104.fr/)
Foire Foraine d’Art Contemporain

Alice Neel, 2000 Whitney / 2021 MET/ 2022 Pompidou

 Onde estava Alice Neel?

(1900-81) https://www.aliceneel.com/

Alice Neel, Un regard engagé, Pompidou, dir. Angela Lampe, 2022 (& Barbican)*

Alice Neel, ed. Ann Temkin. Philadelphia Museum 2001 (Whitney 2000 etc) 

Artist, Humanist, Individualist.

"Alice Neel was one of the great American painters of the twentieth century and a pioneer among women artists. A painter of people, landscape and still life, Neel was never fashionable or in step with avant-garde movements. Sympathetic to the expressionists of Europe and Scandinavia and to the darker arts of Spanish painting, Alice Neel's style and approach was distinctively her own.

Throughout her career, she painted with unwavering social conscience, capturing everyone from left-wing activists in 1930s Greenwich Village to art world luminaries like Andy Warhol. Never bound by artistic fashion or social convention, Neel's work celebrated human dignity and championed social justice causes decades before they gained mainstream acceptance.

Her fearless portraits revealed the psychology of her subjects with remarkable honesty and empathy. Today she is recognized as a master of 20th-century American painting, whose work anticipated many contemporary conversations about identity, equality, and representation."

Realismo norte-americano contemporâneo desde 1960, from Pennsylvania Academy of Fine Arts (tx Frank Goodyear Jr) Gulbenkian 1982 catálogo. A.N. "Linda Nochlin & Daisy"pp. 49, 60*

Art in the seventies, Edward Lucie-Smith, Phaidon, 1980. A N and Guston senior figures. Erotic feminism. Political art. p. 92-94 swing back towards content, not simply exercise of style, historical tradition of Modernism, the elitist context. to shock, identify with political avant-garde. veteran artists

The american century, Art & Culture 1950-2000, Lisa Phillips, Whitney Museum, 1999. p. 46 Mid 50's Figurative expressionism. Alex Katz, L Rivers, Fairfield Porter 1960, A N "raw depictions of human vulnerability and intensity". Innovative figuration. Bay Area Figurative school California. Diebenkorn. Golub, Chicago. // p. 260 a way out of the opressive academy of formalism: Guston 1969> ; A N since the thirties "frank and confrontational portraits of strong-willed characters depicted against blank grounds". "crude and expressionist methods in their emotionally charged works"." they embraced subject matter and psycological content" 258-60. // film "Pull my daisy" 1959 dir. R. Freank e Alfred Lesli, A N and Larry Rivers, New american film 68.

Realism in the 20th century painting, Brendan Prendeville, Thames & Hudson, 2000, pag. 206-07, 208 (cf. Sherman, Hockney, Katz ("painterly perceptualist", 50', Fairfield Porter  e Larry Rivers)... (Paula Rego). Chap. 4: New Realities: Hopper, Morley. "Embedded Mater"

The word new made. Figurative painting in the twentieth century, Timothy Hyman, Thames & Hudson, 2016. "The libertarian line: A N and the modern portrait (1933-80)" pp.104-109.

Postwar Art between the Pacific and the Atlantic 1945-1965. Enwezor, Haus der Kunst Munchen, Preste. "Realism as international style", p. 444, 459 ilust. 1953, with Beauford Delaney 1941, John Biggers 1955, J P 1953. Guttuso. "The United States had its own contingent of fellow travelers. As Alice Neel, considered by many a pioneer of Socialist Realism in American painting, declared in 1951, "I am against abstract and non-objective art because such art shows a hatred of human beings. East Harlem is like a battlefield of humanism, and I am on the side of the people here, and thet inspire my paintings". The dandyish pose struck by the young Georgie Arce in his portrait by Neel is but a thin veneer over the violent life of teenagers of color in Spanish Harlem" p. 444.

PostwarRPostwarea

1 Barbican: 

Discover d works of Alice Neel, the court painter of the underground, at the Barbican Art Gallery until May 21st, 2023. Through her vivid portraits, Neel retaliated against exclusionary histories and highlighted the fundamentally political nature of how we look at others. #AliceNeel #BarbicanArtGallery

#londonpaintclub https://www.facebook.com/share/r/1Cx7dgxWkk/

Artists You Need to Know: Alice Neel

Alice Neel is widely regarded as one of the foremost American artists of the twentieth century.

As the avant-garde of the 1940s and 1950s renounced figuration, Neel developed her signature approach to the human body.

Working from life and memory, she created daringly honest portraits of her family, friends, art world colleagues, writers, poets, artists, actors, activists, and more.

Her paintings, which are forthright, intimate, and, at times, humorous, engage overtly and quietly with political and social issues.

Neel's ability to depict those around her with unfazed accuracy, honesty, and compassion displays itself throughout her canvases.

Calling herself a "collector of souls," Neel is acclaimed for not only capturing the truth of the individual, but also reflecting the era in which she lived.

Images and Text Courtesy of David Zwirner #AliceNeel

#LondonPaintClub

#

Regards sur l'art americain des années soixante, dir. Claude Gintz, Ed. Territoires 1979 ---

La peinture americaine, Le XX siècle, Barbara Rose, Skira, 1986 ---

Le triomphe de l'art americain. Les années soixante, tome 2, Irving Sandler, Ed. Carré 1990 ---

American art in the 20th century 1913-1993, Royal Academy 1993, Joachimides & Rosenthal ---

Identity and alterity. Figures of the body 1895/1995, 46ª Biennale di Venezia, 1995 Jean Clair ---é incompreensível a ausência de AN, mas estão Maria Lassnig e Marlene Dumas

Modern starts, 1880-1920, MoMA 1999 ---

Making choices, 1929-1955, MoMA ---

Walker Evans & company, Peter Galassi, MoMA ---

Modern despite modernism,  Robert Storr, MoMA 2000 ---

American art since 1945, David Joselitt, Thames & Hudson, 2000 ---

Art since 1900, Foster Krauss Bois Buchloch, Thames & Hudson, 2004 --- 1959. Bacon, Freud, Guston: "grotesque cartoonish desfigurations" p. 477 "third generation of neo-expressionists". painterly expressionists:  Appel, Diebenkorn Golub Paolozzi. Cold war politics of figuration, CCF.

#

2021 J. Hoberman The Point

“Alice Neel: People Come First,” on view at New York’s Metropolitan Museum of Art through July, may be the most enthusiastically received and is certainly most aptly named exhibition in the Met’s recent history. The show is comprehensive in presenting all aspects of Neel’s work, and the timing is propitious. Neel was declared a major American painter after her 1974 Whitney Museum retrospective, but her current canonization coincides with an increasing attention paid to known but hitherto marginalized, politically-aware women artists. Neel’s Met retrospective is concurrent with the first New York museum survey given to the underappreciated, unclassifiable Niki de Saint Phalle, and another major museum show that argues the centrality of the French-American sculptor and New York School outlier Louise Bourgeois to postwar intellectual trends by anointing her “Freud’s daughter.”

Nearly four decades after her death, Neel reappears as an avatar of art-world diversity. If in 1974, she was hailed as a feminist (another term she uneasily accepted), she now is a woman who shucked off her white middle-class privilege. A hardcore bohemian as well as a dedicated (if eccentric) Communist, Neel spent much of her career in near poverty, living in New York’s Spanish Harlem and painting her children, her lovers and her neighbors. But, paradoxically, after years of obscurity, Neel grabbed the spotlight. By expanding her subjects to include celebrated art-world figures, she became one herself—a shrewdly dotty media personality.

That revolt is amply apparent at the Met, although Neel was hardly a primitive. She looked at paintings as well as people, absorbing ideas from the modernist masters Van Gogh, Munch and, in her window-views, Edward Hopper. Her style, however, is all her own. Given the apparent rapidity with which she worked (at home in her Manhattan tenement apartments), she was a genius sketch artist. There’s an adroit cartoonish quality to many of her canvases. Heads tend to be outsized and pushed forward, in what the art critic Lawrence Alloway described as “cephalic looming.” Features can be slightly lopsided. Hands are elongated but private parts, when they appear, are typically front and center. Other parts can be perfunctory.

The critic Harold Rosenberg, who knew Neel in the 1930s when both were subsisting on stipends from the Federal Art Project, compared her “objective cruelty” to that of the photographer Richard Avedon: “Both artists record what has befallen their subjects or what they have done to themselves. With the imperturbable ruthlessness of nature, but without a trace of personal malice, faces, bodies, postures are induced to speak for themselves.” Neel may have functioned as a camera but she was hardly a photorealist like Chuck Close, and seems to have only rarely if ever worked from photographs.

Neel took her subjects where she found them in her daily life—an amiably grinning door-to-door Fuller Brush salesman, a tormented-looking museum security guard, the Haitian woman who helped clean her home and look after her grandchildren. At the height of her career in the Sixties and Seventies, Neel portrayed art critics, curators, celebrity artists and louche celebrities—not just Warhol but the Warhol superstar Jackie Curtis, as well as the porn-star performance artist Annie Sprinkle—but she had a particular fondness for political activists and, more sensationally, heavily pregnant nudes—sprawled out and heroic.

#

Alice Neel was born into a proper old American family in a small Pennsylvania town, attended an all-women’s art school in Philadelphia, then moved with her Cuban husband, also an artist, to Havana. Moving to New York City around the time the stock market crashed, her life fell apart—a child died of diphtheria; her husband deserted her, taking with him their second daughter; she was a hospitalized twice, once for a nervous breakdown and again after an attempted suicide.

Hospital scenes figure in her 1930s paintings—along with urban landscapes and remarkably intimate domestic vignettes. One delightfully free-form watercolor from 1935, “Untitled [Alice Neel and John Rothschild in the Bathroom],” shows two lovers passing water after sex, she straddling the toilet as she puts up her hair, he urinating into the sink. A sort of Ashcan expressionist, Neel painted Depression-era New York City as a gaudy necropolis. Impassive and monumental, some portraits show the influence of Diego Rivera’s stoical indios; others are enlivened by bits of surrealism. A miniature skeleton pours blood from the heart of the poet Kenneth Fearing, painted in 1935. The notorious “Joe Gould” (1933) is a festival of male organs. Gould, the Greenwich Village’s most publicized boho character—and the author of a famous, never-written “oral history of the world” who went by the moniker Professor Seagull—appears as a demonically grinning demiurge, naked, sporting three penises and attended by two more, one circumcised, one not, courtesy of the headless male torsos on each side of his makeshift throne.

Perhaps Neel’s greatest indecency was her membership in and commitment to the Communist Party, which she joined in 1935 when she, along with many of the future Abstract Expressionists and countless other painters, was employed by the Federal Art Project, and her work was becoming more overtly political. The Met’s exhibition title “People Come First” is taken from a December 1950 article on Neel written by the Daily Worker columnist Mike Gold, America’s most vociferous proponent of proletarian art. In the late Thirties, Neel moved out of Greenwich Village, along with her lover, the Puerto Rican musician, José Negron, and took an apartment in Spanish Harlem. “T.B. Harlem,” her painting of Negron’s hospitalized brother, his emaciated, pain-racked torso partially concealed by a loincloth of hospital bedding, is a social realist pieta. Eventually, the Federal Art Project ended and Negron left, but Neel, who now had a young son, never stopped painting. She went on public assistance and took up with the left-wing filmmaker Sam Brody, with whom she had her fourth child, a second boy.

American abstraction triumphed. Meanwhile, Neel—living in a slum neighborhood represented by Vito Marcantonio, the most left-wing of New York City congressmen—exhibited at the politically-minded ACA Gallery, contributed illustrations to the CP journal Masses & Mainstream, attended blacklisted educator Annette T. Rubinstein’s “Writers and Critics” study group, took courses in Marxism and gave slide lectures at the Jefferson School, and painted a number of Party heroes. Among them were her editors Phillip Bonosky and Mike Gold, schoolteachers, the neighborhood activist Mercedes Arroyo (looking up and off to the side like an angel awaiting her own annunciation) and the writer-actress Alice Childress, beautifully turned out in evening dress. Other paintings included a demonstration to free Willie McGee, an early-fifties Communist Party cause célèbre, and, most likely working from a Life magazine photograph, the funeral of the veteran labor organizer Mother Bloor. Beneath a reproduction of “The Spanish Family” (1943), a gentler riff on Picasso that could be considered an exercise in “get real”-ism wherein, flanked by two young children and holding a baby, a sad-faced Madonna transfixes the viewer with a look of accusatory resignation, Gold proclaimed Neel “a new star of social realism,” not least because she had taken to representing the people of East Harlem.

In the late 1950s, Neel painted her way back into an art world that looked askance at such work. Around the time that she produced two portraits of the critic-poet-curator Frank O’Hara, one flattering and one not, Neel was cast in a motherly role in the Robert Frank-Alfred Leslie-Jack Kerouac Beatnik home movie Pull My Daisy. (“They picked me because I looked like a conventional American type,” she said.) Now sixty, Neel had a new visibility. Younger artists were charmed. Sitting for Alice became a thing. Begun around the same time, her project has a certain affinity to Andy Warhol’s series of three-minute “screen tests.”

In general, Neel’s sixties canvases employ a lighter palette. They are airier, more unfinished. The handling of the paint exudes casual confidence. Not that Neel’s political commitments wavered. She remained concerned with class, racial and gender inequality for the rest of her life, kept a picture of Lenin on the wall and maintained her monumentally unfashionable affection for the Soviet Union, which some turned into an excuse to not take her seriously. (In 1981, she partly financed a show of her works at the Artists’ Union exhibition hall in Moscow.) She painted not only artists but also activists like James Farmer, the head of the Congress of Racial Equality, in 1964, and the militant feminist Irene Peslikis (“Marxist Girl”) in 1972. She went to hear Malcolm X speak, gave money to the Black Panthers and demonstrated against the Metropolitan Museum’s infamous “Harlem on My Mind” show, attacked (not altogether fairly) for an absence of African American, or indeed any, painting.

Neel’s breakthrough Whitney retrospective, in 1974, was generally well received but panned by the right-wing New York Times critic Hilton Kramer. “You must hate your mother,” Neel told Kramer, encountering him at an opening after he insulted her draftsmanship. Doubtless aware of Neel’s politics, Kramer took her art-world portraits personally, complaining that people were “shown to be cruel or pompous or vacant or spaced out or just a little nutty.” (Twenty-five years later, Kramer was still complaining in a piece with the headline “The Mob Loves Alice Neel, But I Think She’s Mean.”) True, Neel used a bit of impasto to enhance the bad skin of the sculptor Robert Smithson in a 1962 portrait, and her 1967 portrait of Met curator Henry Geldzahler, perhaps taken on in a transparent attempt at logrolling, amply communicates the sitter’s discomfort, pinned to a chair like a butterfly under glass.

On the other hand, Neel responded to the anti-glamour of the Warhol superstar Jackie Curtis with “Jackie Curtis as a Boy” (1972), which, given pride of place in the exhibit, has, in Curtis’s imperious posture and suspicious sidelong glance, uncanny echoes of El Greco’s portrait of Cardinal Fernando Niño de Guevara, the Grand Inquisitor during the Spanish Inquisition (also in the Met). We don’t question Jackie, Jackie interrogates us.

Like Neel’s saggy self-portrait, “Alice Neel: People Come First” overflows with human interest. My second time through the exhibit, I found myself standing before the nude portrait of the art critic John Perreault, behind two women of a certain age (more or less my own). We considered Perreault lounging on an unmade bed, a scruffy male odalisque whose regally curved penis rests cushioned on his scrotum. “That painting changed my life,” one woman told the other. “I realized that I had never really looked at my husband.”

a-frank-exchange-of-views/#

https://www.metmuseum.org/ex2021/alice-neel/exhibition-galleries

2021 The Metropolitan Museum of Art in association with the Guggenheim Museum Bilbao and The Fine Arts Museums of San Francisco

https://www.metmuseum.org/exhibitions/objects/objects@exhibition

Alice Neel: People Come First is the first museum retrospective in New York of American artist Alice Neel (1900–1984) in twenty years. This ambitious survey positions Neel as one of the century’s most radical painters, a champion of social justice whose longstanding commitment to humanist principles inspired her life as well as her art,

ALICE NEEL The Early Years 2021 david-zwirner/exhibitions/alice-neel-the-early-years/

see Jacob Lawrence, Hyman 180-84.

Red Grooms b 1937

João Francisco 2022 Sintra / MU.SA: "ESTRANHOS JARDINS"

 ESTRANHOS JARDINS

MU.SA- Museu das Artes de Sintra | Espaço LAB ARTE – piso 0

03 de junho a 17 de julho de 2022 

"As pinturas recentes aqui apresentadas continuam e expandem o conjunto mostrado na exposição "Mille-fleurs" ( Galeria 111, em 2018). Partindo das tapeçarias "mille-fleurs", peças produzidas no norte da França e na Flandres entre o fim da Idade Média e o início do Renascimento, procura-se aqui a evocação e a reconfiguração desses espaços míticos e simbólicos.
O que torna as tapeçarias mille-fleurs (literalmente "mil flores") num grupo específico dentro da produção geral de tapeçarias é o uso que nelas se faz, de forma repetitiva e obsessiva, da representação de flores e plantas que, rodeando por completo os elementos em destaque (que podem ir de damas com unicórnios a caçadores, personagens galantes ou mitológicas), criam um espaço mais mítico que natural, mais caracterizado por uma exuberância decorativa que pela sugestão de uma paisagem real que as figuras habitam. Estas representações de flora, com a presença pontual de fauna, são no entanto extremamente fiéis: são reconhecíveis com facilidade as espécies de plantas silvestres e de cultivo doméstico, num claro caminho em direção à cultura humanista e científica do Renascimento.
A descoberta fortuita de um conjunto vasto de esquissos utilizados para bordar despoletou este conjunto de imagens: nessa memória ou fantasma dos desenhos que foram passados para um outro suporte têxtil, reconheci a dos "cartões" das tapeçarias - modelos em tamanho real do que iria ser tecido e que, devido à constante e violenta utilização, raramente sobreviveram (e de que os cartões para os Actos dos Apóstolos de Rafael são uma notável excepção). Criando um fundo relativamente homogéneo a colagem destes desenhos, todos referentes com graus diversos de realismo e estilização a plantas, permitiu a construção de um campo onde a pintura acontece. É neste jogo entre o que se oculta e o que permanece visível que estas páginas encontram sentido.
Sendo assumidamente naturezas-mortas (na medida em que representam objetos reais, recolhidos, dispostos e manuseados, observados) estas imagens olham também para o exterior, lá para fora. Falam de jardins, do mar, de árvores, da natureza e dos seus ciclos, do tempo. Olham também através deles para o interior: não serão as paisagens aí ainda mais perigosas e sombrias?"  João Francisco

-“o arqueólogo amador (e outras naturezas mortas)” – Galeria 111, Lisboa,  maio / junho 2008.
-“um jardim, um tapete voador, um diorama, algumas paisagens e outras construções” – Galeria 111, Porto, novembro 2009/janeiro 2010.
-“um tapete voador, uma casa, uma pirâmide, um jardim japonês, uma coleção de grelhas e uma pedreira (e mais algumas coisas) – Galeria 111, Lisboa, janeiro / fevereiro 2010.
-“uma montanha de coisas” – Galeria 111, Lisboa, setembro / novembro 2012; Porto, Novembro 2012 / janeiro 2013.
-“objetos encontrados – a partir das reservas do Museu Leonel Trindade”, Paços Galeria Municipal, Torres Vedras, novembro 2012 / janeiro 2013.
-“Ondas”, Escritório, Lisboa, Novembro 2014.
-“toupeiras e cavalinhos (pintura antiga)” – Galeria 111, Lisboa, maio/junho 2015.
-“Predelas e Volantes” – Centro Cultural das Mercês, Lisboa, maio 2016.
-“mille-fleurs” – Galeria 111, Lisboa, 15 de setembro a 10 de novembro de 2018.

6 exp ind. na 111: 2008 ; 2009 Porto ; 2010 ; 2012 Lx e Porto ; 2015 2018

 Exposições coletivas:

-“Depois do Dilúvio” – Antigo Mercado de Ourique, junho 2007.
-“Exposição de Finalistas de Gravura” – Centro Cultural de Santarém, julho 2007.
-“(Re)presentações – exposição de solidariedade e venda” – Fábrica de Braço de Prata, Lisboa, dezembro 2007.
-“Exposição de Finalistas de Desenho 2006/2007” – Ministério das Finanças, Lisboa, janeiro 2008.
-“Exposição de Finalistas de Pintura 2006/2007” – Sociedade Nacional de Belas Artes, Lisboa, janeiro / fevereiro 2008.
-“Prémio de Pintura e Escultura D Fernando II – X edição” – Quinta Nova da Assunção, Belas, março/maio 2008.
-“À volta do papel – 100 artistas” – Centro de Arte Manuel de Brito, Algés, Junho / agosto 2008. 1
-“Acto Único – Desenho” – Bairro Alto, 30 julho 2008.
-“In the House” – nos 200 anos do nascimento de Charles Darwin, e 150 da publicação da Origem das Espécies – Biblioteca da Universidade Nova de Lisboa, Monte da Caparica, março/abril 2009.
-“Em Bragança – Apontamentos de Arte Contemporânea” – Centro de Arte Contemporânea Graça Morais, março/maio 2009.
-“Uma mesa e três cadeiras” – edifício ETIC, junho/julho 2009.
-“Diorama” – Museu Nacional de História Natural – Sala do Veado, Lisboa, outubro 2009.
-“Sala do Veado – Cabinet d’Amateur – 1990/2010” – Museu Nacional de História Natural, Sala do Veado, Lisboa, julho/outubro 2010.
-“Lonarte 2010” – Praia da Calheta – Galeria dos Prazeres, Madeira, junho/setembro 2010.
-“Século XXI – Anos 10” – Centro de Arte Manuel de Brito, Algés, outubro 2010/fevereiro 2011. 2
-“Arca de Noé” - Centro de Arte Manuel de Brito, Algés, outubro 2011/fevereiro 2012. 3
-“Hortus Botanicus – árvores, flores e frutos na Colecção Manuel de Brito”, Centro de Arte Manuel de Brito, Algés, outubro 2012 / fevereiro 2013. 4
-“Esta noite entra pela água – a água na leitura bíblica”, Igreja de S. Salvador, Coimbra, abril 2013.
-“9º Prémio Amadeo de Souza Cardoso”, Museu Municipal Amadeo de Souza Cardoso, Amarante, setembro/dezembro 2013.
-“Coleção Manuel de Brito – Aquisições Recentes”, Centro de Arte Manuel de Brito, Algés, junho/setembro 2013. 5
-“50 Anos da Galeria 111”, Galeria 111, Lisboa, fevereiro/março 2014. 6
-“Mostra”, 8 Building, Lisboa, Julho 2014.
-“Héstia”, com Domingos Rego, Plataforma Revólver, Lisboa, 17 setembro a 7 de novembro de 2015.
- “Apreço”, com Ana Catrina Fragoso e Hetamoé, Zaratan – Arte Contemporânea, Lisboa, 10 de dezembro de 2015 a 16 de janeiro de 2016.
-“Artes & Letras”, Centro de Arte Manuel de Brito, Algés, abril/setembro 2016. 7
-“Ocupar o Lugar – Exposição #2”, com Martinho Costa, Daniel Vasconcelos Melim e António Melo, Casa da Cultura, Comporta, 27 de Junho a 16 de Julho de 2017.
-“10 anos – A Colecção”, Centro de Arte Contemporânea Graça Morais, Bragança, 30 de Junho a 28 de outubro de 2018.
-“Paisagens na Coleção Manuel de Brito”, Centro de Arte Manuel de Brito, Algés, 29 de setembro de 2017 a 25 de março de 2018. 8
-“Pensar em grande – obras de grande escala na coleção Manuel de Brito”, Centro de Arte Manuel de Brito, Algés, 13 de abril a 30 de setembro de 2018. 9
-“Além deste solitário carrossel”, Galeria 111, 2 de fevereiro a 30 de março de 2019. 10
-“15º Edição do Prémio de Pintura e Escultura de Sintra D. Fernando II”, MU.SA - Museu das Artes de Sintra, 2020 / Câmara Municipal de Sintra

10 exp. col. com a Col. MB ou Gal. 111

Formação
- Licenciatura em Artes Plásticas – Pintura pela Faculdade de Belas Artes – Universidade de Lisboa (2007).

Prémios
-  Prémio de Pintura de Sintra D. Fernando II, Câmara Municipal de Sintra, 2019. ...  João Francisco Feliciano com o prémio de pintura, pela obra “Sem Título-no mar (para Aylan)”,

Obras restauradas

 Esculturas de René Bertholo no Hospital do Barreiro, restauradas em 2019-20 por Adriana Oliveira e Dulce Marçal

com o apoio da Fundação do Oriente (*), Maria do Carmo Carmona e Costa, Galeria Ratton / Ana Viegas, Alexandre Pomar (*), Administração do Hospital do Barreiro / Centro Hospitalar Barreiro Montijo EPE (*) e  participação maioritária da Liga dos Amigos do Hospital Diatrital do Barreiro (***).  (*: a operação foi faseada e * indica o restauro de 1 obra)

http://www.chbm.min-saude.pt/destaques/708-chbm-recupera-obras-de-rene-bertholo

http://www.chbm.min-saude.pt/destaques/722-inauguracao-das-obras-de-rene-bertholo 

https://www.facebook.com/506300559417765/posts/3213302738717520/

agora falta a escultura do Artur Rosa

 

foto de João Abel Aboim

 

 

Foto de Adriana Oliveira

 

Ana Mata, 2007 (Prémio Rothschild), 2010 Módulo, 2020 Módulo

2/30/2020

Ana Mata 2020

Ana Mata na Módulo, 3 anos depois (estas pinturas não se fabricam depressa).

Gostava de tentar explicar (a mim próprio) por que isto (esta pintura) é muito interessante (ou muito boa), e rara.

É uma pintura depois da fotografia, com recurso à fotografia, não para impregnar as telas ou para copiar projecções, mas para ver o visível de outro modo, para encenar, recortar, modelar, reflectir o visto e recriar a sua luz; sem as facilidades da apropriação fotográfica e sem as rotinas do "fazer qualquer coisa que sai sempre". A fotografia ilumina (num caso há um flash sobre um corpo); a pintura ilumina a luz e a sombra da fotografia (há um pano negro que atravessa um quadro).

Não é a pintura que é mediada pela fotografia, é o olhar que se alimenta do registo fotográfico, para ver melhor, ou ver diferente, mais profundamente, demoradamente, mas com a surpresa de um primeiro relance ou com a energia de uma imagem a afirmar-se, a reconhecer-se. A pintura (a pintora) serve-se da fotografia, às vezes serve-a como modelo, de passagem, e resgata a pintura, o prazer de ver pintura, na velha confrontação com a fotografia. Trata-se de passagens, de trânsitos, entre o visto, o fotografado e o pintado, não de fronteiras, acrescentando sempre - o modo de ver, o fazer e um campo aberto de observações/interrogações, de histórias.

Alguma coisa se imobilizou (na fotografia feita/captada/organizada e na pintura a fazer-se, gesto a gesto, pincelada visível, demorada) sem se suster a velocidade do ver e do pintar, sem ser a transcrição do registo e sem se mostrar como execução de um programa, mas ele existe, programa pensado, conceptual.

A pintura é rápida, sem incertezas legíveis, mas a obra da pintora (a carreira) é lenta, escassa, e a diversidade dos formatos, do muito grande (a 1ªa foto) ao muito pequeno, do heróico ao íntimo, a diversidade dos suportes (tela, alumínio e papel) e dos meios (óleo e tinta acrílica) e dos assuntos (a figura, o retrato (também auto-retrato), as plantas - natureza viva, e a "natureza morta", uns óculos), a circulação entre a cor e sombra/grisaille, conferem a cada pintura a densidade de um encontro único e a certeza da possibilidade dispensável de muitas variantes (mas cada peça é definitiva).

Não conheço agora nada de mais surpreendente em pintura, até por se tratar da lenta maturação de um trabalho ao mesmo tempo muito reflectido e intensamente vivido (vívido) e inesperado. Conhecido de anteriores mostras sempre novo e diferente. Ganhei o ano nos seus últimos dias. Agora vou ler o pequeno livrinho em que a Ana Mata, que não conheço, reuniu "notas do atelier". Chama-se "A pintura é o visível das histórias desconhecidas", e espero não contradizer aquilo que eu procurei pensar sobre as suas pinturas a justificar a admiração.

11/07/2010

Ana Mata 2010

A cada nova exposição de Ana Mata apetece ver-rever o que foi mostrando antes, porque é uma obra discreta com que não nos cruzamos nos sítios habituais (mostram sempre o mesmo, sempre os mesmos -. e é uma pasmaceira) e porque as pinturas continuam-se uma às outras, ou continuam a mesma discreta relação entre a produção de imagens, a prática (e interrogação prática) da pintura e a vida da pintora, já que a auto-representação está presente, mas não precisamos de o saber para que a pintura e a vida evidentemente se encontrem e se troquem, entre si e com o olhar do espectador.

Há aqui quatro telas de grande formato, 179x138 cm a de cima, acrílico sobre tela, Sem Título, de 2009.

Há aqui quatro telas de grande formato, 179x138 cm a de cima, acrílico sobre tela, Sem Título, de 2009.

Com uma figura na paisagem, ou melhor, num lugar limitado da paisagem, a própria pintora, dizem-nos, em diferentes espaços. Com uma referência fotográfica explícita, aqui o rosto desfocado pelo movimento, noutro caso o rosto semi-encoberto por uma câmara fotográfica:

Sem título, 2010.Acrílico s/ tela, 151 x 143 cm.

Se o exercício da reflexão pictural ou da pintura reflexiva a respeito da fotografia e da pintura está presente - sobre a materialidada das respectivas imagens e dos seus tempos - serão também questões de representação que se abordam. Há aqui a passagem à condição de pinturas bem sucedidas do que seriam noutra modalidade/materialidade de imagens fotografias falhadas: a desfocagem do rosto sobre um movimento súbito ou a ocultação do rosto - relacionando-se este com uma (com a) identidade pessoal, que se quer fugidia, semi-privada. Mas há também, por esse mesmo caminho, o levantar do tema do reconhecimento: representar é descrever e facultar um (re-)conhecimento, faculdades de que a pintura julgou dever abdicar para ser auto-referencial ou pura. A figura, que é uma auto-representação suspensa,também "serve" aqui para fixar à sua volta um espaço de natureza - jardim, espaço cultivado, natureza recriada - e acrescenta um segundo tópico de abordagem dos géneros em pintura, retrato e paisagem.

A pintura sobre a pintura tornou-se uma prática ensimesmada, embora uma surpresa seja sempre possível. A pintura sobre o trânsito entre fotografia e pintura é também um campo muito trilhado, nas suas duas eventualidades mais distintas, a que oculta o seu referente próximo tornado processo de trabalho ou a que o afirma imediatamente ou não - desde antes da formalização da invenção da fotografia já esse trânsito acontecia. Não há novidade alguma aqui, em torno de tal questão, enquanto tal, excepto no facto de se transformar em frescura e intensidade visual o que noutros casos anteriores é já só o uso de uma fórmula: Morley contra Richter (mesmo sem B.B.). As qualidades visual da mancha, o jogo entre a visão próxima e visibilidade distanciada, a materialidade das cores sobre a tela, não serão valores a considerar por si mesmo mas na sua eficácia construtiva e representaiva. Aproximamo-nos aqui de uma pintura narrativa, no que se sucede como imagens pessoais, e também representativa, no que descreve e faz reconhecer.

Mas é a luz - a luz solar - que se propõe aqui como objecto a considerar. Pode ser oportuno repensar classificações históricas a respeito destes novíssimos quadros, voltar a pensar na revolução naturalista, no subcapítulo impressionista e depois na experiência do luminismo, que tem em Sorolla a expressão mais próxima, já que são as luzes que variam, pelo menos tanto como as formas naturais. Tenho de voltar a ver as pinturas de pequeníssimo formato, quer não sei se são apenas promessas ou ensaios de grandes formatos, tenho de voltar a ler o que fui escrevendo sobre uma das poucas obras que vão surpreendendo.

Vale a pena também pensar porque é que a Módulo é a única galeria (ou uma das únicas) onde importa não perder nenhuma das exposições que se sucedem.

Comentário: "(...) os exercicios que reflectem o autor como tema principal da obra pensei q se esgotaram c a Frida Khalo, mas, nos nossos dias parece ser ainda tema recorrente... (penso que fruto do excessivo individualismo ou até de solidão)
aqui a figura é desfocada ou parcialmente tapada, mas não deixa de ser um exercicio centrado na propria autora do trabalho
são belas imagens sem duvida e não questiono o virtuosismo da técnica da captura de luz, mas não deixa de me remeter para um qualquer album privado de familia (logo, de interesse relativo, quiçá como documentos históricos dentro d algumas decadas) ..."

O comentário assinado que chegou por outra via fica aqui registado, porque será significativo lê-lo e talvez interessante responder-lhe, logo que possível.

12/21/2007

Prémios 2007 - Rothschild

Pode ser falta de memória, mas as edições 2007 dos vários prémios mais notórios parecem uns furos abaixo dos anos anteriores. Foi claramente o caso do Anteciparte, que afogou as intenções ou os projectos escolhidos em grandes investimentos cenográficos (excesso de meios?, arquitectos à solta?, excessos curatoriais?), e é também o do 3º Prémio de Pintura Ariane de Rothschild, de que amanhã sábado se encerra a exposição.

até 22 DEZ 2007; Quar/Sab: 14.30-19.30 hrs
Rua Rodrigues Faria, 103
(Antiga Gráfica da Mirandela do Diário de Notícias - Alcântara  - Largo do Calvário)

A visita recomenda-se desde logo como descoberta de uma parte oculta da cidade - uma área fechada na zona Alcântara-Calvário, antigas construções industriais destinadas a um próximo empreendimento. Entra-se de carro num parque guardado e circula-se entre quase ruinas - um deserto no meio da cidade.
Há ou havia um catálogo, oferecido, 29 x 28,3 cm de formato, enorme, em bom papel - design Silva!, impressão Textype - a baronesa e o banco precisam de gastar dinheiro, mas é daquelas coisas difíceis de guardar (já perdi o da edição 2005). Um objecto absurdo, obrigado.

Ana Mata, Sem Título, 2007, acrílico sobre tela, 181 x 129 cm

Há uma obra a merecer a visita, a pintura sem título de Ana Mata (Setúbal, 1980). Dizem-nos que começa por ser um auto-retrato, o que é, aliás, muito frequente na sua obra, que se tem podido ver na Módulo (2003, 2006 e já em 2007 - ver notícia de 4 de Maio), e são evidentes as relações entre fotografia e pintura - deixando-se logo nesse enunciado o caminho das evidências e das facilidades.

O olhar frontal sob um foco de luz, a lanterna na mão direita, a ideia habitual do auto-retrato (e a pose) negada no inesperado ou acidental da situação surpreendida, a presença material da luz e a circulação entre processos com incertas fronteiras ou passagens, o grande formato do retrato de aparato e a ironia do aparente instantâneo furtivo, a sugestão ficcional condensada numa vista única, sem título e destituída de imediatas referências literárias. Tudo isto constitui um campo infindável de interrogações e de exploração do que é materialmente visível.

Ana Mata é um(a) das mais interessantes jovens artistas. O facto das premiações a terem poupado é uma garantia adicional.
Os prémios são geralmente entendidos como actos de cooptação pelas tutelas do meio da arte - é natural que se escolha o menos bom ou o mais insignificante, por complexas razões ou manobras. Mas, como aqui acontece, os júris desclassificam-se muito visivelmente com as escolhas que fazem, e com as quais se julgam defender premiando-se a si próprios. Ignore-se a ingenuidade do "prémio distinção" e a preguiçosa vacuidade pretensiosa do 1º prémio, à boleia de Aurélia de Sousa. Olhe-se para um júri que premeia um artista, aliás interessante, José Baptista Marques, que aqui se candidatou com uma pintura à maneira dos históricos cromos ditos hiperrealistas de Malcolm Morley. Há coisas que não passam - e é bom que aconteçam para nos alertar.

Outras obras a reter ou a considerar serão os guaches de André Almeida e Sousa, registos mediados e suspensos de paisagens, representações contrariadas, sob influência ainda bem reconhecível; talvez a instalação de pinturas de Marta Moura. Há quem aprecie o género de ideias ou achados postos em prática por Nuno Sousa, espécie de auto-caricatura ou declaração de impotência da pintura, elogio crítico do vazio? E abaixo de prestações anteriores encontram-se as propostas de Marco Pires e Rita GT (a autocomplacência, já?).

No actual estado de coisas, um artista só ou uma única obra recomendável (Ana Mata) já fazem uma boa exposição.

Mas o Prémio Ariane de Rotschild tinha  começado melhor em 2003 e 2005, com a presença algo insólita de Vicente Todolí e Julião Sarmento nos júris dessas edições, e alguma irreverência ou imprevisibilidade nas admissões. Havia uma presença mais substancial da pintura que o título do prémio continua a  prometer. VER AQUI E o facto de se aceitar uma obra única (condição agora torneada por alguns instaladores que se julgam espertos) era outra diferença corajosa, tal como a montagem "tipo Salão" (não é defeito). Agora, lá para Alcântara (para além do agradável passeio de reconhecimento), o armazém arruinado é menos propício.

A edição de 2007 contou no júri, entre outros, com uma tal Lilian Tone, vinda do MoMA, e Pedro Cabrita Reis, com coordenação e escrita de Filipa Oliveira, que nos explica "o conceito", ou "o âmbito", ou "a filosofia" - serão agora sinónimos? Chama seminal a uma especulação fúnebre de Arthur C. Danto e cita Yve-Alain Bois - são caminhos obscuros. O facto de pintura não ser o mesmo que quadro dá origem a muitas confusões. Mas conviria considerar o quadro pintado (mais ou menos plano...) como o resultado de uma longa evolução que o torna um objecto quase perfeito, talvez inultrapassável. (O quadro fotográfico teve uma vida breve, mas ainda há quem use.)

BES Revelação em Serralves

#

Em tempo - ao sair dos barracões da baronesa Rothschild pensava que alguma coisa que se chamou arte se ía acabando (com o Anteciparte 2007, o EDP Novos Artistas no Porto, etc). Depois, visitei a exposição de  pintura  da Maria Condado, a sua "Promised Land", na Caroline Pagès Gallery...

Rua Tenente Ferreira Durão, 12 – 1º Dto. [Campo de Ourique] Lisboa
Tel. 21 387 33 76 Tm. 91 679 56 97 - www.carolinepages.com
Até sábado 22 - e por marcação até 5 de Janeiro

    (Maria Condado aparecera no 2º Prémio Rotschield, em 2005, e as suas paisagens continuam a ser uma "terra prometida")