LISBON.- Cristina’s History takes as its starting point the story of four generations of a branch of
Mikael Levin’s family, of which Cristina is a descendant.
It unfolds from the mid-19th century to our own times, and streches from the town of Zgierg in
central Poland to the west-african nation of
Guinea-Bissau, by way of Lisbon. These three places,
photographed
between 2003 and 2005, correspond in each case to a narrative which
interweaves
the lives of the characters and historical events to which
those biographies are linked. As the trajectory
of a Jewish family
through modern European history, a journey in which each new hope is met
with
invariable disappointment, Cristina’s History challenges the idea
of continuous progress. This does not,
however, mean ceding to
nostalgia. nor is it an affirmation of the notion of an ineradicable
identity.
What this work does do is attests to the possibility of
inventing one’s life based on, but without being
dependent of tradition.
Although the story – or at least the idea of a story – no doubt
determined the
photographic project, the text and the images in a fact
move along parallel lines. It is through the gap
that the relationships
are etablished; between the different histories and the images of the
present,
between the different lives described and the places where they
are not, or between the narrative space,
most often closed and
familial, and the visible space, open and public.
From such simplicity shaped by numerous complexities emerges a poetic work cast as a documentary.
It is a profound autobiographical
work, though the author never appears. The space is configured
around
three projection rooms corresponding to the territories represented.
Within each room, each
cycle lasts approximately fifteen minutes and
comprises some sixty images. a voice-over tells the
story. In the rooms
devoted to Zgierz and guinea-Bissau, two projectors are mounted back to
back
on a central pivot. The images rotate around the room, like the
beams of a lighthouse, stretching and
bending to the contours of the
walls. In the Lisbon room, three projectors cast their images
alternately
at fixed locations.
Artist Statement: “I met Cristina da silva-schwarz in guinea-Bissau in 2003. Four generations back our ancestor, Isuchaar szwarc, a renowned Jewish scholar, lived in Zgierz,
in central Poland. In his lifetime
Isuchaar saw his small medieval town transformed by industrialization.
He died as the nazis exterminated the Jewish communities. Isuchaar’s
eldest son, samuel, settled in
Lisbon. a successful mining engineer also
known for his scholarship, samuel lived in Portugal during
the waning
decades of its colonial epoch. samuel’s daughter Clara settled in
Portuguese guinea in 1947.
There she and her husband played a prominent
role in the anti-colonial movement. since
guinea-Bissau’s independence,
Carlos, their youngest son, has devoted his life to the agricultural
development of this impoverished nation.
Cristina is Carlos’ daughter. I had always heard of this accomplished branch of my family. It occurred to me that their lives were
an embodiment of modernity’s
positivist belief in mobility and progress. Jewish families are often
characterized by patterns of dispersal and migration, patterns that have
of late come to characterize
the world population in general. While my
images are specific, my intent is to go beyond the narrow
identifications of any particular community. It is the tension between
the local and the global that
interests me.
The condition of multiplicity, wandering, and exile, as shown in this story, suggests some principles
for an alternative foundation for
cultural identification, based on tolerance and shared patterns of
experience.”
— Mikael Levin Born in 1954 in New York where he now lives, Mikael Levin has also lived in Israel and France. His
work Notes fromthe Periphery was
presented at the 2003 Venice Biennale. That same year his work
was
presented in a solo exhibition at the Bibliothèque nationale de France.
In 2008, gilles Peyroulet
& Cie (Paris) presented his exhibition
Seuil/ Treshold. Mikael Levin has also published War Story
(Kehayoff,
1997).
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segunda-feira, 11 de maio de 2009
Mikael Levin's, Cristina's History, 2009 CCB
domingo, 10 de maio de 2009
Mikael Levin, Cristina's History, 2009, CCB
capa e guardas
Mikael Levin, Cristina's History, 2007 / 2009 (catal./livro)
edition Le Point du Jour, Cherbourg-Octeville, France / Museu Colecção Berardo, Lisboa
2009
162 pags., P/B; Fr., En., Pr.
textes : Jean-François Chevrier, Carlos Schwarz, Jonathan Boyarin
( et Mikael Levin - legendas e agradecimentos)
images:
Zgierz, Pologne - pag. 16;
Lisbonne, Portugal - pag. 48;
Guinée-Bissau 80.
http://www.mikaellevin.com/cristina.html
pag. 2-3
sábado, 29 de novembro de 2008
Nino Viegas, 2008, Arte Periférica: "A nuvem nódoa"
11/29/2008
Nuno Viegas no CCB
A melhor exposição que se pode visitar no CCB (incluindo o Museu Berardo) é a de Nuno Viegas na galeria Arte Periférica
"Pizza aos pombos" e "Corrida com bilhas de gás à velocidade da luz", mais "A bandeira queimada" "O mar de rosas", em baixo; à direita, "Jangada puxada por balões" -
A fotografia é péssima, mas esta pintura é para ver de perto (a aura, a irreprodutibilidade técnica), com o seu acerto de escalas e a densidade das matérias sobre a tela ou o papel.
Por exemplo, em: acrílico, esmalte sintético, tinta da Índia, cola de madeira, marcador de têmpera e grafite sobre tela (em 80 cm de lado).
Daí o título geral "A nuvem nódoa" - "A nuvem que surge no céu limpo - a nódoa que vem perturbar a quietude. (...)", assim começa o seu próprio texto do catálogo - falando da mancha, da pasta, da tinta e do fazer do quadro: "espécie de sopa primordial ainda sem nome para as coisas". Essas coisas têm depois nomes e títulos às vezes descritivos ("Natureza morta com bifes temperados", "Jangada puxada por balões", por exemplo), e em mais casos títulos narrativos, enunciados ficcionais, fazendo prolongar o que acontece na tela para o campo do imaginar: o magnífico "O engole-sapos" (de 199 por 140 cm) que na feira Arte Lisboa se destacava entre o que havia para ver.
O que podia ser uma retórica do acontecer da pintura, do fazer enquanto processo ou maneira, da vibração da matéria, do aparecer da forma, etc, torna-se exercício do ver e do efabular, presença real do imaginário, estórias. Por vezes parece faltar ao pintor um projecto ou programa para cumprir, onde um só tema ou assunto (sujet, subject) fosse metodicamente explorado de cada vez por exposição, mais reflexivamente, numa produção disciplinada por séries e menos convulsivamente acidentada. Mas não é esse o rumo actual de Nuno Viegas, e o seu caminho está aberto a todas as possibilidades, sem se encerrar precocemente num formulário estreito.
"O ossário", a seguir "O burro muribundo" e "Confissão aos cães", à direita "A serpente engasgada". Uma presença insistente dos animais: fábulas
A "nuvem nódoa" foi antes "Lava" (2003) e "Tinta envenenada" (2004, Cascais) num constante acentuar da "massa lodosa" que é tinta despejada, amassada, raspada, arrastada, lavada, acumulada, etc, sempre à beira ou por dentro do caos, antes de ser figura e imagem, narração observada ou imaginada. "Esse trabalho é também o das ideias", alerta o pintor, mas "mais do que fixá-las, importa soltá-las, ir ao encontro da sua flexibilidade e desmultiplicação". Como ele diz - e explica-se cada vez melhor -, "a experiência prossegue num confronto entre o visível e o imaginável", numa recusa da ilustração do quotidiano observável, às vezes presente sob a capa do humor, contrariando o talento gráfico para tornar mais inquietante o comentário sobre o mundo.
A exposição da colecção (e escolhas afins) do Museu Berardo, "Não te posso ver nem pintado", centrada na permanência da figuração pictural, da representação da vida e do mundo, do retrato (um programa aliciante à partida que é prejudicado por compromissos de circunstância ou conveniência, e escassez de desafios), torna mais evidente a força explosiva desta pintura que se tem mantido na margem exterior do academismo dominante. Pode ser que haja um excesso de ambição na pintura de Nuno Viegas, face aos reducionismos formais e conformismos aplicados que ocupam os salões. Pode ser que a determinação solitária desta pintura não respeite os protocolos de dependência que a circulação pelos salões exige. Mas ela é mais interessante pelos riscos que corre, pelos desafios que faz, pelas recusas que enfrenta. Um desses riscos é o grande êxito de mercado que acompanha desde o início a carreira de Nuno Viegas.
#
Se o que se expõe agora no Museu Berardo não me parece empolgante, é surpreendente e muito positivo o grande número de visitantes que o percorrem numa tarde de sábado.
Comments
Este final de artigo é uma tapona na Bescolecção? Seria interessante elaborar... Posted by João Henriques
1 - O começo e o fim do artigo fazem implícitas referências a outras exposições, entre as quais se inclui naturalmente a colecção Bes e a mostra Corral (a srª teve a sua importância, gastou-a e hoje já não serve de aval à coisa: má escolha). Não sei ainda se vale a pena entrar nessas questões, a começar pelas relações problemáticas dos nossos banqueiros com as artes (bens especulativos, activos tóxicos ou apenas trocos?): os 85 Mirós do BPN, o elíptico Alcoitão do Rendeiro/BPP (mais Melo e Lapa), e noutro plano a CGD e o BES - há por aqui um vale tudo que é uma funda marca nacional. Mas não se pode "dizer mal" de tudo, mesmo que quase tudo seja medíocre e entendido como descartável. (Aliás, nunca disse mal de tudo: defendi a colecção Berardo e a solução Berardo para o CCB. Contra quase todos.)
Mostrar assim é parolo (um pouco de tudo, como na botica; a espuma dos magazines, as vedetas e as "emergências", um bodo aos jovens, a alguns e a algumas galerias; uma caderneta de cromos), mas sempre se prestam contas do que se anda a fazer e se fica a saber que ficam por cá umas coisas com qualidade que poderão estar um dia disponíveis para outras exibições.
Aquele salonismo não ajuda a ver: é a arte oficial de hoje. A maioria deslumbra-se com a ostentação do luxo/lixo e alguns procurarão as pérolas e quererão entender como se organiza o sistema da arte. Tratar-se-á de tentar distinguir e escolher, quando tudo está feito para diluir diferenças entre obras e valores, universalizando a ignorância, "democratizando" o acesso ao espectáculo mas sempre com a lógica de diferenciar/distanciar o mais possível os que decidem e os que consomem. Logo à entrada distinga-se a desagradável e ingénua tontice da nossa Almeida e o excelente inventor de acontecimentos que é o chinês Zhang Huan.
Obrigado pelo catálogo, que é um caro coffee-table book natalício mas deu trabalho a muitos "comissários" com pouco emprego. Há sempre um lado positivo em tudo.
2 - Mas o que importa é dizer apenas que a admiração pelo Nuno Viegas não tem nada a ver com esta conversa (terá a ver, de facto, com a exp. "Não te posso ver nem pintado", onde teria lugar de pleno direito, com o risco de fazer sombra a outros, e aí é que bate o ponto - mas o Museu Berardo não precisava de se tornar tão complacente com o nosso podre e pobre stablishment, e por essa via perderá a força da sua diferença inicial). Posted by A.P.
Grato pela resposta, esclarecedora de algumas subtilezas do meio. Se tivesse um pedido a fazer-lhe, seria o de discorrer sobre a colecção própriamente dita, dado que sobre o critério da mostra já se pronunciou. Posted by J.H
Agradeço a boa vontade, mas há certamente outras boas exposições que têm prioridade. E dizem-me que é no espaço BES do Marquês Pombal que estão reunidas obras dos fotógrafos regularmente expostos pela Módulo: António Júlio Duarte, Catarina Botelho, Rodrigo Amado, Duarte Amaral Netto. Tenho que ir ver. Estranho critério de separação esse, entre outras opções dificilmente compreensíveis ou aceitáveis. Mas são grandes questões sobre o actual entendimento salonista da Arte Fotográfica, os neo-picturialismos sustentados no mero aproveitamente dos novos recursos técnicos, a voga do "quadro fotográfico", os mimetismos mundanos das escolhas curaturiais "cosmopolitas", o provincianismo lisboeta em versão espanholada, etc, que valeria a pena abordar com vagar. Posted by A.P
Numa outra nota, acharia interessante uma iniciativa deste género Critical Mass http://www.photolucida.org/current.php ou em tom próximo esta http://powerhousebooks.com/portfolioreview09/ cá em Portugal? Como forma de não só oferecer uma crítica especializada ao trabalho do artista, mas tam´bém de poder proporcionar uma mostra, para além da óbvia montra dos "prémios" instituídos? Posted by J.H
sexta-feira, 12 de setembro de 2008
2008, Africa.cont, índice
Sumário África.cont
12/09/2008
Comments
É só para te dar os parabéns pela forma como persistentemente tens questionado este projecto. Pela forma como foi levantado, pelas suas implicações, pelas reacções que tem provocado, temos aqui um estudo de caso a partir do qual se pode questionar o modelo cultural dominante, e começar a lançar as bases de um projecto cultural capaz de estar no centro do desenvolvimento e da inovação, um projecto cultural que se quer capaz de afirmar Portugal como uma Plataforma de encontro e contaminação de culturas, de criação do novo. Não um espaço de trocas de favores, de subalternização, onde se afirma a internacionalização por aquilo que se traz de fora e não por aquilo que é cá criado e é capaz de se afirmar e circular internacionalmente.
sábado, 24 de maio de 2008
João Francisco, 2008: "O arqueólogo amador" : Galeria 111
24/05/2008 - blog (a 1ª individual)
I
2008, "O Arqueólogo amador (e outras naturezas mortas)"
Anda tudo à volta da natureza-morta, das coisas vistas e da sua representação : "O Arqueólogo amador (e outras naturezas mortas)" é o título geral:
objectos ou fragmentos de objectos, coisas, acumulações e disposições ordenadas, representações de objectos e de imagens (o quadro dentro do quadro), referências e citações da história da pintura: obviamente Morandi, mas muito mais, e é do melhor que por aí se mostra (como se mostram de preferência - por que será? - coisas muito más, não é dizer muito).
"Sem título - Tempestade em Trouville - para E. Boudin", 2008, óleo sobre tela, 160x180 cm
"Sem título - Les barricades mistérieuses - para F. Couperin", 2008, óleo sobre tela, 160x180 cm
com o auto-retrato de Gauguin, e uma dedicatória musical, mas não parece tratar-se da vontade de fabricar puzzles com sugestões de erudição - a ironia, a auto-ironia estão muito presentes. Há tb um Mário Eloy e o Snoopy aparece mais do que uma vez. As citações têm tanto de humor como de homenagem, por exemplo a Lourdes Castro e as suas sombras:
"Sem título - Sombra para L.C.", 2008, acrílico sobre papel, 100x140 cm
Desenho a grafite, acrílico sobre papel, óleo sobre tela: os vasos habituais da n-m, mas tb uma imprevista bomba insecticida, o/os ténis, ossos, cartas de jogar, brinquedos ou bonecos de peluche (lembraram-me os palhaços do Bruno Pacheco, mas sem pretexto ou alibi fotográfico), uma casca de banana ou um morango - a enumeração é um dos prazeres do coleccionador-voyeur.
Uma muito ágil circulação entre a história da pintura e a banda desenhada. Estes são objectos vistos, escolhidos e encenados, recordados e apropriados, e são tb imagens desenhadas, por onde se tomam liberdades com "o natural", instabilizando o destino da representação e a razão de ser desse lugar de ilusões onde se recria ou cria o que se mostra. Entre o humor e o enigma, sem finalidade
"Sem título - O tempo", 2008, grafite sobre papel, 100x140 cm
"Sem título - O arqueólogo amador", 2008, óleo sobre tela, 73x92 cm
Nasceu em 1984 em Torres Vedras. Terminou em 2007 o curso de pintura na FBAUL.
Espero que continue a ser pintor e não venha a tornar-se estudante profissional, por entre mestrados e tutorias - por essas vias de facilidades fabricam-se notoriedades e carreiras almofadadas, mas são raros os que resistem enquanto artistas. Está na 111, a par do regresso de Rui Serra - professor e ex-aluno, dir-se-á.
Folha de imprensa
A Galeria 111 Lisboa apresenta, entre 10 de Maio e 14 de Junho de 2008, a
primeira exposição individual do artista João Francisco. Composto
exclusivamente por desenhos e pinturas, o conjunto de obras que agora se
apresenta assume-se como o primeiro momento de exposição pública de um
sistemático e aturado pensamento sobre a ancestral tradição da natureza
morta.
Recuperando aquele que será um dos mais célebres e
reconhecíveis géneros da pintura ocidental, este projecto de João
Francisco apropria e requalifica, por intermédio de uma prática
militante, mas também de uma profunda ironia, todo um imaginário já
raramente associado à contemporaneidade artística. Tendo nas figuras de
Giorgio Morandi, Philip Guston ou Giorgio de Chirico algumas das suas
assumidas referências, a proposta que João Francisco nos traz não deixa
de prolongar, nem mesmo de subverter, algumas das estratégias e dos
modelos pictóricos que celebrizaram a obra plástica daqueles autores.
Aqui
encontramos a representação de objectos banais do quotidiano, provindos
da rua, da estante dos brinquedos ou do armário das ferramentas;
achamo-los simplesmente documentados ou postos em diálogo com outros;
revemo-los de obra em obra como se de personagens se tratassem, ora eles
mesmos num outro momento, ora empenhados em refazer papéis e reencenar
estórias. Aqui manipula-se a escala para estabelecer relações
simbólicas, só concretizáveis no espaço da pintura, no plano das suas
possibilidades; articulam-se a apoteose e a celebração com o silêncio
solene da dignidade; reinventa-se a vida doméstica dos objectos, no
espelho do seu suposto recato, orquestrado na lenta e subtil toada da
nossa própria intimidade.
sem título - destroços - 2008 - grafite sobre papel, 100 x 140 cm
sem título - a barricada - 2008 - grafite sobre papel, 100 x 140 cm
#
ver tb 2010 e 2008
#
1 Com ou através da natureza-morta é também o género da paisagem que aqui se encontra, logo no 1º quadro acima que permanecerá como um dos de maior ambição.
Os livros. As colecções.
"O arqueólogo amador" reencontra-se em "O jardineiro arqueólogo" de 2015.
Críticas ded Luisa Soares de Oliveira
segunda-feira, 12 de maio de 2008
2008, Africa.cont, o projecto
Africa.Cont IX
12/05/2008
Notícia com / sem booklet,
O África.Cont é agora é centro de expressões culturais africanas, numa notícia do Expresso datada de 5 Dez. com booklet inacabado:
"Cultura como instrumento político / Estratégia diplomática portuguesa privilegia África" (...)
"Consulte o PDF com dados e desenhos do projecto africa.cont": já desapareceu...
http://clix.expresso.pt/gen.pl?p=stories&op=view&fokey=ex.stories/471046
As "autoridades" responderam à parede de críticas que acolheu o anúncio do África.Cont através de uma benévola notícia do Expresso online e com o inédito acesso oferecido em pdf a um "booklet" de apresentação onde diversas páginas estão ocultadas ou ainda por preencher. E aparece uma nova fundamentação para a ideia: "O projecto, a apresentar na próxima terça-feira, será uma forma de encetar ligações económicas mais fortes com grandes países africanos."
Ao nível e atrás da 24 de Julho, com um dos edifícios das Tercenas ao centro
O que era Centro de Arte Africana Contemporânea no Público de dia 29, e Centro de Cultura Contemporânea Africana na proposta aprovada no dia 3 pela Câmara de Lisboa, aparece agora referido mais informalmente como centro de expressões culturais africanas, ou, no booklet, mais sinteticamente, apenas África.Cont. (Carlos Fiolhais fazia hoje no Público uma boa leitura deste "cont", que "pode apenas indicar que falta dinheiro parta o resto das letras"). O que era dedicado a artes e culturas passa a ser justificado como fachada ou engodo de ligações económicas, o que era poscolonial corre o risco de parecer neocolonialista, mas agora nunca se sabe que neocoloniza o quê, o que é um claro progresso.
NA MIRA DO GOVERNO
O discurso torna-se mais explícito, e fica agora a saber-se o que está "na mira do governo". E invoca-se o nome do 1º ministro, embora se tenha tornado habitual dispensarem-se as aspas para as frases oficiais:
"A criação de um centro de expressões culturais africanas a sedear nas Tercenas do Marquês, às Janelas Verdes, em Lisboa, é o instrumento político escolhido pelo Governo português para encetar uma aproximação económica com aquele continente.
O projecto já está concluído e será oficialmente apresentado na próxima terça-feira. Vai custar quatro milhões de euros por ano e será financiado pelo Estado, Câmara Municipal de Lisboa* e várias instituições privadas. Chama-se africa.cont.
A necessidade de fomentar laços económicos mais fortes com os grandes países africanos e alargar as relações lusas para além do espaço da lusofonia em África foi uma das conclusões a que o executivo de José Sócrates chegou após a Cimeira União Europeia/África, realizada o ano passado durante a presidência portuguesa da União Europeia.
Na mira do Governo estão países como Senegal, Nigéria e África do Sul, com os quais muitas empresas portuguesas já estabelecem ligações que querem ver desenvolvidas. O ministro dos Negócios Estrangeiros Luís Amado tomou então a dianteira, delineando "uma estratégia diplomática" para alcançar esses objectivos." (EXPRESSO, sublinhados meus)
*Claro que a Câmara é Estado, mas às vezes disfarça.
pp. 30.31
A prosa inglesa abaixo (pag. 16) será do escritório do arquitecto afro-britânico David Adjaye e refere-se a um complexo edificado que inclui o Palacete Pombal, na Rua das Janelas Verdes, nº 37, onde funcionou o Instituto Português da Conservação e Restauro, antes Instituto José de Figueiredo, e as 3 construções conhecidas como Tercenas de Santos ou do Marquês, situado em planos descendentes até 24 de Julho. A intenção de construir mais dois novos edifícios é enunciada aqui.
Africa.Cont define-se no booklet inacabado como um "centro multidisciplinar e interdisciplinar para o conhecimento de África e das suas diásporas nos seus desenvolvimentos contemporâneos", e aponta como um dos seus objectivos (o 2º objectivo) "constituir acervos de arte contemporânea africana que passarão a ser património inalienável da Fundação" (afinal, temos de facto um museu com colecções próprias...)
esquisso de ante-projecto
sábado, 19 de abril de 2008
2008, Arte da Mesa, Mesas Pintadas
A arte da mesa
"Mesas pintadas"
Expresso Revista de 19 Abril 2008
Colaboração numa edição dedicada à gastronomia
(versão incompleta de 18 de Abril - actualização posterior)
Annibale Carracci, O comedor de feijões (The Beaneater)
Não é como ícones da gastronomia que nos lembramos da Última Ceia de Leonardo da Vinci, do Déjeuner sur l’Herbe de Edouard Manet ou, para incluir um exemplo nacional, do Almoço do Trolha, de Júlio Pomar. A maioria das refeições vistas em pintura não tem a ver com as artes da mesa, mas com a importância da alimentação na vida quotidiana. O que naqueles casos interessa, como em muitos outros, é o significado de uma situação convivial ritualizada, a sugestão de outras sensualidades, a crítica das desigualdades sociais. Mesmo quando a arte mais se aproxima da ilustração de virtudes gastronómicas, em muitas naturezas-mortas do período barroco, a imagem pintada pode dar a ver, para lá do que expressamente mostra, mensagens moralizadoras sobre a gula ou a fugacidade da vida (as “vanitas”), um emblema de desafogo material ou a demonstração do virtuosiosmo do artista. Uma imagem conseguida é sempre um abrir de caminhos.
As uvas pintadas por Zeuxis confundiam os pássaros e foram um mítico exemplo da verdade da ilusão que a pintura pode ser (o “trompe-l’oeil”, engano do olhar). Os prazeres e perigos dessa ilusão inquietaram os moralistas e agitaram os iconoclastas, tentando-se que o ”espiritual na arte” (Kandinsky) se substitua ao natural, ou que a observação dos temas e a das formas enquanto coisas se troque pela atenção abstracta às revoluções formais. A figuração da gastronomia é assim um tópico pouco abordado.
Caravaggio
Interrompida a tradição grega e romana dos motivos profanos na decoração das casas dos poderosos, teve de esperar-se pelos conflitos da Reforma para se multiplicarem os quadros que ilustram, louvam ou denunciam os prazeres da mesa. Calvino condenava as imagens da divindade, mas disse que “a arte de pintar e de talhar são dons de Deus”. A interdição dos ídolos abria assim novas portas ao mercado crescentemente democratizado pelo público burguês: multiplicaram-se as cenas do quotidiano (os mercados, as tabernas, as cozinhas e os comensais, na área temática que nos interessa) e as vistas de coisas inanimadas (“almoços” ou refeições servidas, quadros de frutas, de peixes, etc). Foram um recurso e a especialidade dos pintores nórdicos, mesmo antes de surgirem termos técnicos como “pintura de género” e natureza-morta, nos degraus inferiores da hierarquia académica.
Na história bíblica, as bodas de Canã e a ceia em Emaús autorizavam que as virtualhas expostas ganhassem uma riqueza que a representação de outros episódios não permitia. O holandês Jan Vermeyen, Tintoreto e Veronese em Veneza, quanto ao primeiro tema, Caravagio, quanto o segundo, deram um empurrão decisivo à natureza-morta, que faz valer os objectos por si mesmos dispensando o contexto narrativo. A oferta profissional vinda do Norte juntava-se à resposta realista de Annibale Carracci (O Comedor de Feijões, os dois talhos da família em Bolonha), face ao curso maneirista da pintura, numa inédita aproximação à vida quotidiana e à materialidade das coisas.
Pieter Aertsen e o sobrinho Joachim
Beuckelaer inverteram a relação de escala entre as personagens e o
cenário, dando quase todo o espaço aos balcões do mercado ou da cozinha,
numa exibição luxuriante das prodigalidades da natureza (e do Criador).
Pintor e estalajadeiro, Jan Steen foi o observador divertido e
moralizador do que se passava sobre e à volta da mesa. Frans Snyders e
Wilhelm Claes Heda levaram a natureza-morta a extremos de luxo e
subtileza.
A expansão do género foi fulgurante na Europa e teve em
Espanha o exemplo dos “bodegons” de Sánchez Cotán, que logo no início do
séc. XVII conferiu à imitação da natureza uma eficácia mística. Em
Portugal, destaca-se Josefa de Ayala, ou de Óbidos, e em especial o seu
pai, Baltazar Gomes Figueira, consagrado há poucos anos pela truta
pertencente ao Louvre. De Josefa destacam-se as exibições de doçaria
conventual acompanhadas por codificadas sugestões metafóricas.
Já no século XX, Pierre Bonnard (1867-1947) representou refeições domésticas com um intimismo incomparável. Ao pintar a mesa familiar e também a mulher no banho, fundia realmente a arte e a vida, como pretendeu [depois] a retórica das vanguardas. Instalou a arte no próprio espaço privado do quotidiano, vivendo-a com uma sensualidade discreta mas intensa e sem sentimentalismo algum, alimentando-a com a audaciosa pesquisa plástica sobre o espaço e a luz que prosseguiu até ao fim.
Chain Soutine (1893-1943), chegado da Lituânia a Paris em 1913, usou obsessivamente alimentos como motivos da natureza-morta, para além de deixar alguns retratos de cozinheiros e empregados de restaurantes. Era uma relação inquieta e torturada, que se associa tanto à fome e à luta contra os interditos do seu meio judaico de origem como à miséria que conheceu no início da carreira. Quando os recursos melhoraram, a úlcera de estômago que o matou impunha uma dieta de batatas cozidas, sopa e leite, proibindo-lhe os coelhos, as aves e os peixes dos seus quadros. Por vezes eram modernas revisitações dos modelos maiores: a carcaça de boi de Rembrandt (que interessou também Bacon), a raia de Chardin, as trutas de Courbet – alimentos crus que são alegorias da pintura e da gastronomia.
Mais perto de nós, Wayne Thiebaud (1920, Mesa, Arizona) pinta desde 1961 montras e balcões de doces, “pies”, gelados e “delicatessen”, para além de ser o extraordinário paisagista das ruas de São Francisco. Associável à Pop, passa o mundo do “fast food” e do consumo de massas do cartaz à pintura, com a luz de neons frigoríficos e cores ácidas. Para não esquecer a fotografia, há que citar Irving Penn (“Objects for the Print Page”, visto em Serralves em 2000) e Martin Parr.
Cristo em casa de Marta e Maria, 1565, 113 x 163 cm, Museu de Arte Antiga, Bruxelas
Frans Snyders (1579-1657), A peixaria, 202 x 337 cm, Museu Real de Antuérpia
Joachim Beuckelaer, O mercado de legumes, 1567, 149 x 215 cm, Museu Real de Antuérpia
Velazquez, Crista na casa de Marta e Maria, c. 1618, National Gallery, Londres
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Penso que seria importante que esta discussão se alargasse a outras expressões artísticas.
Um abraço. A discussão e o debate têm que continuar.
Posted by: Carlos Fragateiro | 12/09/2008 at 22:02
Obrigado pela colaboração. Toda a gente manda bocas tipo generalidades políticas (sempre contra), mas sobre questões concretas da agenda faz-se silêncio - um silêncio receoso ou de quem fica à espera duma oportunidade. Então na área da cultura é particularmente evidente a falta de vontade ou coragem de intervir ou a desorientação oportunista.
Mas, quanto ao que propões, haverá de facto um modelo cultural dominante? Ou só uma descosida manta de retalhos sem coerência nem credibilidade, que vai sobrevivendo com as mesmas caras e a mesma falta de decisões, do PS para o PSD e vice-versa?
Será de pensar num (em 1) projecto cultural (unificado, centralizado, estatal) ou de equacionar a pluralidade de dinâmicas, projectos, produções, gerações, interesses, etc, aprendendo a viver com essa diversidade, analisando-a e estimulando-a mesmo?
Porquê pensar a cultura (e em geral é em arte que se pensa) como o centro, em vez de tentar dialogar com credibilidade com outros centros (a educação, a ciência), o que agora quase não acontece?
Porquê pensar Portugal como plataforma (com maíuscula) de encontros, como se alguma coisa passasse por aqui (há apenas turistas, de facto), como se não fôssemos só uma franja, uma periferia - e ganharíamos em tomar consciência dessa posição de distância para equacionar as relações com os outros descentramentos do presente. Depois do tempo perdido, temos de ir à procura, apontar a outros eixos, criar antenas e relações lá fora.
Posted by: Alexandre Pomar
"a segregação dos artistas africanos, das diásporas e das imigrações num elegante ghetto lisboeta"
A Segregação dos artistas africanos, das diásporas, das imigrações e descendentes já existe dê-me exemplos de artistas destes (com nacionalidade portuguesa) que representem ou tenham sido selecionados para representar Portugal ou que tenham apoios do Ministério da Cultura.
Melhor sermos segregados num elegante ghetto lisboeta do que continuarem a fingir que não existimos.
Posted by: Portugal- a negação de algumas existências | 08/06/2009